Alfred Hitchcock

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señor Alfred Hitchcock KBE
Nació	Alfred Joseph Hitchcock ( 13 de agosto de 1899)13 de agosto de 1899 Leytonstone, Essex, Inglaterra
Murió	29 de abril de 1980 (29 de abril de 1980)(80 años) Bel Air, California, Estados Unidos
Ciudadanía	Británico Americano (desde 1955)
Educación	Colegio Salesiano, Battersea
alma mater	St Ignatius 'College, Londres
Ocupación	Director de cine Editor de películas productor cinematográfico guionista actor
Años activos	1919-1980
Esposos)	Alma Reville ​ ​( m.  1926;su muerte 1980)
Niños	Pat Hitchcock
Premios	Lista llena
Sitio web	alfredhitchcock.com
Firma

Sir Alfred Joseph Hitchcock KBE (13 de agosto de 1899 - 29 de abril de 1980) fue un director de cine, productor y guionista inglés. Es uno de los cineastas más influyentes y estudiados de la historia del cine. Conocido como el " maestro del suspenso ", dirigió más de 50 largometrajes en una carrera de seis décadas, llegando a ser tan conocido como cualquiera de sus actores gracias a sus numerosas entrevistas, sus cameos en la mayoría de sus películas y su presentación y producción de la antología televisiva Alfred Hitchcock Presents (1955-1965). Sus películas obtuvieron 46 nominaciones al Premio de la Academia, incluidas seis victorias, aunque nunca ganó como Mejor Director a pesar de haber tenido cinco nominaciones. En 1955, Hitchcock se convirtió en ciudadano estadounidense.

Nacido en Leytonstone, Londres, Hitchcock ingresó a la industria cinematográfica en 1919 como diseñador de tarjetas de título después de capacitarse como empleado técnico y redactor de textos publicitarios para una compañía de cable telegráfico. Hizo su debut como director con la película muda británico-alemana The Pleasure Garden (1925). Su primera película exitosa, The Lodger: A Story of the London Fog (1927), ayudó a dar forma al género de suspenso, mientras que su película de 1929, Blackmail, fue el primer " talkie " británico. Dos de sus películas de suspenso de la década de 1930, Los 39 pasos (1935) y La dama desaparece (1938), se encuentran entre las mejores películas británicas del siglo XX.

En 1939, Hitchcock era un cineasta de importancia internacional y el productor de cine David O. Selznick lo convenció de que se mudara a Hollywood. Siguieron una serie de películas de éxito, entre ellas Rebecca (1940), Foreign Correspondent (1940), Suspicion (1941), Shadow of a Doubt (1943) y Notorious (1946). Rebecca ganó el Premio de la Academia a la Mejor Película, aunque el propio Hitchcock solo fue nominado como Mejor Director ; también fue nominado por Lifeboat (1944) y Spellbound (1945).

El estilo " Hitchcockiano " incluye el uso del movimiento de la cámara para imitar la mirada de una persona, convirtiendo así a los espectadores en mirones y encuadrando las tomas para maximizar la ansiedad y el miedo. El crítico de cine Robin Wood escribió que el significado de una película de Hitchcock "está ahí en el método, en la progresión de plano a plano. Una película de Hitchcock es un organismo, con el todo implícito en cada detalle y cada detalle relacionado con el todo". " Hitchcock hizo varias películas con algunas de las estrellas más importantes de Hollywood, incluidas cuatro con Cary Grant en las décadas de 1940 y 50, tres con Ingrid Bergman en la última mitad de la década de 1940, cuatro con James Stewart durante un período de diez años que comenzó en 1948, y tres con Grace Kelly a mediados de la década de 1950.

Después de una breve pausa en el éxito comercial a finales de la década de 1940, Hitchcock volvió a formarse con Strangers on a Train (1951) y Dial M for Murder (1954). Entre 1954 y 1960, Hitchcock dirigió cuatro películas a menudo clasificadas entre las mejores de todos los tiempos: Rear Window (1954), Vértigo (1958), North by Northwest (1959) y Psycho (1960), la primera y la última de las que lo cosechan. Nominaciones a Mejor Director. En 2012, su película de suspenso psicológico Vértigo, protagonizada por Stewart, desplazado Orson Welles ' Ciudadano Kane (1941) como el British Film Institute ' s película más grande jamás se ha hecho sobre la base de su encuesta mundial de cientos de críticos de cine. Para 2018, ocho de sus películas habían sido seleccionadas para su conservación en el Registro Nacional de Cine de los Estados Unidos, incluidas The Birds (1963) y su favorita personal, Shadow of a Doubt (1943). Recibió la beca BAFTA en 1971, el premio AFI Life Achievement Award en 1979 y fue nombrado caballero en diciembre de ese año, cuatro meses antes de morir.

• 1 biografía
  • 1.1 Vida temprana: 1899-1919
    • 1.1.1 Primera infancia y educación
    • 1.1.2 Henley
  • 1.2 Carrera de entreguerras: 1919-1939
    • 1.2.1 Jugadores famosos-Lasky
    • 1.2.2 Imágenes de Gainsborough y trabajo en Alemania
    • 1.2.3 Matrimonio
    • 1.2.4 Primeras películas sonoras
  • 1.3 Los primeros años de Hollywood: 1939-1945
    • 1.3.1 Contrato Selznick
    • 1.3.2 Primeros años de la guerra
    • 1.3.3 Películas de no ficción en tiempos de guerra
  • 1.4 Años de la posguerra en Hollywood: 1945-1953
    • 1.4.1 Películas posteriores de Selznick
    • 1.4.2 Imágenes transatlánticas
  • 1.5 Años pico: 1954-1964
    • 1.5.1 Marque M para asesinato y ventana trasera
    • 1.5.2 Regalos de Alfred Hitchcock
    • 1.5.3 De para atrapar a un ladrón al vértigo
    • 1.5.4 North by Northwest y Psycho
    • 1.5.5 Entrevista Truffaut
    • 1.5.6 Los pájaros
    • 1.5.7 Marnie
  • 1.6 Años posteriores: 1966-1980
    • 1.6.1 Películas finales
    • 1.6.2 Caballería y muerte
• 2 Cine
  • 2.1 Estilo y temas
  • 2.2 Representación de mujeres
  • 2.3 Relación con los actores
  • 2.4 Escritura, guiones gráficos y producción
• 3 Legado
  • 3.1 Premios y distinciones
  • 3.2 Archivos
  • 3.3 representaciones de Hitchcock
• 4 Filmografía
  • 4.1 Películas
• 5 Véase también
• 6 Notas y fuentes
  • 6.1 Notas
  • 6.2 Referencias
  • 6.3 Trabajos citados
• 7 Lecturas adicionales
  • 7.1 Artículos
  • 7.2 Libros
• 8 Enlaces externos

Biografía

Vida temprana: 1899-1919

Primera infancia y educación

William Hitchcock, probablemente con su primer hijo, William, fuera de la tienda familiar en Londres, c.1900; el letrero sobre la tienda dice "W. Hitchcock". Los Hitchcock usaron el pony para entregar víveres.

Hitchcock nació el 13 de agosto de 1899 en el piso de arriba de la tienda de comestibles alquilada por sus padres en 517 High Road, Leytonstone, en las afueras del este de Londres (entonces parte de Essex ), el menor de tres hijos: William Daniel (1890-1943), Ellen Kathleen ("Nellie") (1892-1979) y Alfred Joseph (1899-1980). Sus padres, Emma Jane Hitchcock (de soltera Whelan; 1863-1942) y William Edgar Hitchcock (1862-1914), eran católicos romanos, con raíces parciales en Irlanda; William era un verdulero como lo había sido su padre.

Había una gran familia extendida, incluido el tío John Hitchcock con su casa victoriana de cinco habitaciones en Campion Road, Putney, con criada, cocinera, chófer y jardinero. Cada verano, John alquilaba una casa junto al mar para la familia en Cliftonville, Kent. Hitchcock dijo que primero se volvió consciente de la clase allí, notando las diferencias entre turistas y lugareños.

Hitchcock se describió a sí mismo como un niño de buen comportamiento —su padre lo llamaba su "corderito sin mancha" - y dijo que no recordaba haber tenido nunca un compañero de juegos. Una de sus historias favoritas para los entrevistadores fue la de su padre enviándolo a la comisaría local con una nota cuando tenía cinco años; el policía miró la nota y lo encerró en una celda durante unos minutos, diciendo: "Esto es lo que les hacemos a los niños traviesos". La experiencia lo dejó, dijo, con un miedo de por vida a los policías; en 1973, le dijo a Tom Snyder que estaba "aterrado de cualquier cosa... que tuviera que ver con la ley" y que ni siquiera conduciría un automóvil en caso de que recibiera una multa de estacionamiento.

Cuando tenía seis años, la familia se mudó a Limehouse y arrendó dos tiendas en 130 y 175 Salmon Lane, que administraban como tienda de pescado y papas fritas y pescadería respectivamente; vivían por encima de los primeros. Hitchcock asistió a su primera escuela, el Howrah House Convent en Poplar, al que ingresó en 1907, a los 7 años. Según el biógrafo Patrick McGilligan, permaneció en Howrah House durante dos años como máximo. También asistió a una escuela de conventos, la Wode Street School "para las hijas de caballeros y niños pequeños", dirigida por los Compañeros Fieles de Jesús. Luego asistió a una escuela primaria cerca de su casa y fue durante un corto tiempo interno en el Salesian College en Battersea.

Estación de servicio en el sitio de 517 High Road, Leytonstone, donde nació Hitchcock; mural conmemorativo en los nn. 527–533 (derecha).

La familia se mudó de nuevo cuando tenía 11 años, esta vez a Stepney, y el 5 de octubre de 1910 Hitchcock fue enviado al St Ignatius College en Stamford Hill, Tottenham (ahora en el distrito londinense de Haringey ), una escuela primaria jesuita con reputación de disciplina.. Los sacerdotes usaban un bastón de goma dura sobre los niños, siempre al final del día, por lo que los niños tenían que sentarse durante las clases anticipando el castigo si estaban escritos para ello. Más tarde dijo que aquí es donde desarrolló su sentido del miedo. El registro escolar enumera su año de nacimiento como 1900 en lugar de 1899; El biógrafo Donald Spoto dice que lo matricularon deliberadamente cuando tenía 10 años porque tenía un año de retraso en sus estudios.

Mientras que el biógrafo Gene Adair informa que Hitchcock era "un alumno promedio, o ligeramente superior al promedio", Hitchcock dijo que él estaba "generalmente entre los cuatro o cinco en la parte superior de la clase"; al final de su primer año, se destacó su trabajo en latín, inglés, francés y educación religiosa. Su materia favorita era la geografía y se interesó por los mapas y los horarios de trenes y autobuses; según John Russell Taylor, podía recitar todas las paradas del Orient Express. Le dijo a Peter Bogdanovich : "Los jesuitas me enseñaron organización, control y, hasta cierto punto, análisis".

Henley

Hitchcock les dijo a sus padres que quería ser ingeniero y, el 25 de julio de 1913, dejó St Ignatius y se inscribió en clases nocturnas en la Escuela de Ingeniería y Navegación del Consejo del Condado de Londres en Poplar. En una entrevista de extensión de libro en 1962, le dijo a François Truffaut que había estudiado "mecánica, electricidad, acústica y navegación". Luego, el 12 de diciembre de 1914, su padre, que sufría de enfisema y enfermedad renal, murió a la edad de 52 años. Para mantenerse a sí mismo y a su madre (sus hermanos mayores se habían ido de casa para entonces) Hitchcock consiguió un trabajo por 15 chelines al día. semana (£ 73 en 2017), como empleado técnico en Henley Telegraph and Cable Company en Blomfield Street cerca de London Wall. Continuó las clases nocturnas, esta vez en historia del arte, pintura, economía y ciencias políticas. Su hermano mayor dirigía las tiendas familiares, mientras que él y su madre seguían viviendo en Salmon Lane.

Hitchcock era demasiado joven para alistarse cuando comenzó la Primera Guerra Mundial en julio de 1914, y cuando alcanzó la edad requerida de 18 años en 1917, recibió una clasificación C3 ("libre de enfermedades orgánicas graves, capaz de soportar condiciones de servicio en guarniciones en casa... sólo apto para trabajos sedentarios "). Se unió a un regimiento de cadetes de los Ingenieros Reales y participó en sesiones informativas teóricas, simulacros de fin de semana y ejercicios. John Russell Taylor escribió que, en una sesión de ejercicios prácticos en Hyde Park, se requirió que Hitchcock usara puttees. Nunca pudo dominar envolverlos alrededor de sus piernas, y repetidamente caían alrededor de sus tobillos.

Después de la guerra, Hitchcock se interesó por la escritura creativa. En junio de 1919 se convirtió en editor fundador y director comercial de la publicación interna de Henley, The Henley Telegraph (seis peniques la copia), a la que envió varios cuentos. Henley lo ascendió al departamento de publicidad, donde escribió copias y dibujó gráficos para anuncios de cable eléctrico. Disfrutaba el trabajo y se quedaba hasta tarde en la oficina para examinar las pruebas; le dijo a Truffaut que este era su "primer paso hacia el cine". Disfrutaba viendo películas, especialmente el cine estadounidense, y desde los 16 años leía los periódicos comerciales; observaba a Charlie Chaplin, DW Griffith y Buster Keaton, y en particular le gusta Fritz Lang 's Der Tod müde (1921).

Carrera de entreguerras: 1919-1939

Jugadores famosos-Lasky

Hitchcock (derecha) durante la realización del número 13 en Londres

Mientras estaba en Henley's, leyó en un periódico comercial que Famous Players-Lasky, el brazo de producción de Paramount Pictures, estaba abriendo un estudio en Londres. Estaban planeando filmar The Sorrows of Satan de Marie Corelli, por lo que produjo algunos dibujos para las tarjetas de título y envió su trabajo al estudio. Lo contrataron y en 1919 comenzó a trabajar para Islington Studios en Poole Street, Hoxton, como diseñador de tarjetas de presentación.

Donald Spoto escribió que la mayoría del personal eran estadounidenses con especificaciones laborales estrictas, pero se alentó a los trabajadores ingleses a probar suerte en cualquier cosa, lo que significó que Hitchcock ganó experiencia como coguionista, director de arte y gerente de producción en al menos 18 trabajos silenciosos. Película (s. The Times escribió en febrero de 1922 sobre el "departamento de títulos de arte especial del estudio bajo la supervisión del Sr. AJ Hitchcock". Su trabajo incluyó Number 13 (1922), también conocida como Mrs. Peabody; se canceló debido a problemas financieros (las pocas escenas terminadas se han perdido) y Siempre cuéntale a tu esposa (1923), que él y Seymour Hicks terminaron juntos cuando Hicks estaba a punto de renunciar. Hicks escribió más tarde acerca de haber sido ayudado por "un joven gordo que estaba a cargo de la habitación de la propiedad... [n] otro que no era Alfred Hitchcock".

Gainsborough Pictures y trabajo en Alemania

Escultura de Hitchcock en el sitio de Gainsborough Pictures, Poole Street, Hoxton

Cuando Paramount se retiró de Londres en 1922, Hitchcock fue contratado como asistente de dirección por una nueva empresa dirigida en el mismo lugar por Michael Balcon, más tarde conocido como Gainsborough Pictures. Hitchcock trabajó en Woman to Woman (1923) con el director Graham Cutts, diseñando el decorado, escribiendo el guión y produciendo. Dijo: "Fue la primera película en la que realmente puse mis manos". La editora y "guionista" de Woman to Woman fue Alma Reville, su futura esposa. También trabajó como asistente de Cutts en The White Shadow (1924), The Passionate Adventure (1924), The Blackguard (1925) y The Prude's Fall (1925). The Blackguard se produjo en los estudios Babelsberg en Potsdam, donde Hitchcock vio parte de la realización de la película de FW Murnau The Last Laugh (1924). Quedó impresionado con el trabajo de Murnau y luego utilizó muchas de sus técnicas para el diseño de escenarios en sus propias producciones.

En el verano de 1925, Balcon le pidió a Hitchcock que dirigiera The Pleasure Garden (1925), protagonizada por Virginia Valli, una coproducción de Gainsborough y la firma alemana Emelka en el estudio Geiselgasteig cerca de Munich. Reville, para entonces prometida de Hitchcock, era asistente de dirección y edición. Aunque la película fue un fracaso comercial, a Balcon le gustó el trabajo de Hitchcock; un titular del Daily Express lo llamó "el joven con una mente maestra". La producción de The Pleasure Garden encontró obstáculos de los que Hitchcock se enteraría más tarde: a su llegada a Brenner Pass, no pudo declarar su película en la aduana y fue confiscada; una actriz no pudo entrar al agua para una escena porque estaba en su período ; los excesos presupuestarios significaron que tuvo que pedir prestado dinero a los actores. Hitchcock también necesitaba un traductor para dar instrucciones al elenco y al equipo.

En Alemania, Hitchcock observó los matices del cine y la realización cinematográficos alemanes que tuvieron una gran influencia en él. Cuando no estaba trabajando, visitaba las galerías de arte, conciertos y museos de Berlín. También se reuniría con actores, escritores y productores para establecer conexiones. Balcon le pidió que dirigiera una segunda película en Munich, The Mountain Eagle (1926), basada en una historia original titulada Fear o 'God. La película está perdida y Hitchcock la llamó "una película muy mala". Un año después, Hitchcock escribió y dirigió The Ring ; aunque el guión se atribuyó únicamente a su nombre, Elliot Stannard lo ayudó con la escritura. The Ring obtuvo críticas positivas; el crítico de la revista Bioscope la calificó como "la película británica más magnífica jamás realizada".

Cuando regresó a Inglaterra, Hitchcock fue uno de los primeros miembros de la London Film Society, recién formada en 1925. A través de la Sociedad, quedó fascinado por el trabajo de los cineastas soviéticos: Dziga Vertov, Lev Kuleshov, Sergei Eisenstein y Vsevolod Pudovkin.. También socializaría con sus compañeros cineastas ingleses Ivor Montagu y Adrian Brunel, y Walter C. Mycroft.

La suerte de Hitchcock llegó con su primer thriller, The Lodger: A Story of the London Fog (1927), sobre la caza de un asesino en serie, vestido con una capa negra y cargando un bolso negro, está asesinando a jóvenes rubias en Londres, y solo en Martes. Una casera sospecha que su inquilino es el asesino, pero resulta ser inocente. Para transmitir la impresión de que se estaban escuchando pasos desde un piso superior, Hitchcock hizo un piso de vidrio para que el espectador pudiera ver al inquilino paseando arriba y abajo en su habitación por encima de la casera. Hitchcock había querido que el protagonista fuera culpable, o que la película al menos terminara de manera ambigua, pero la estrella era Ivor Novello, un ídolo matinée, y el " star system " significaba que Novello no podía ser el villano. Hitchcock le dijo a Truffaut: "Tienes que deletrearlo claramente en letras grandes: 'Él es inocente'". (Años más tarde tuvo el mismo problema con Cary Grant en Sospecha (1941)). Lanzado en enero de 1927, The Lodger fue un éxito comercial y crítico en el Reino Unido. Hitchcock le dijo a Truffaut que la película fue la primera suya en estar influenciada por el expresionismo alemán : "En verdad, casi se podría decir que The Lodger fue mi primera película". Hizo sus primeros camafeo apariciones en la película; fue representado sentado en una sala de redacción, y en la segunda, parado en medio de una multitud mientras arrestan al protagonista.

Matrimonio

Imagen externa
Los Hitchcock el día de su boda, Oratorio de Brompton, 2 de diciembre de 1926.

El 2 de diciembre de 1926, Hitchcock se casó con la guionista anglo -estadounidense Alma Reville (1899-1982) en el Brompton Oratory en South Kensington. La pareja pasó su luna de miel en París, el lago de Como y St. Moritz, antes de regresar a Londres para vivir en un piso alquilado en los dos pisos superiores de 153 Cromwell Road, Kensington. Reville, que nació pocas horas después de Hitchcock, se convirtió del protestantismo al catolicismo, aparentemente ante la insistencia de la madre de Hitchcock; fue bautizada el 31 de mayo de 1927 y confirmada en la catedral de Westminster por el cardenal Francis Bourne el 5 de junio.

En 1928, cuando se enteraron de que Reville estaba embarazada, los Hitchcock compraron "Winter's Grace", una granja de estilo Tudor ubicada en 11 acres en Stroud Lane, Shamley Green, Surrey, por £ 2,500. Su hija y única hija, Patricia Alma Hitchcock, nació el 7 de julio de ese año.

Reville se convirtió en la colaboradora más cercana de su marido; Charles Champlin escribió en 1982: "El toque de Hitchcock tenía cuatro manos y dos eran las de Alma". Cuando Hitchcock aceptó el AFI Life Achievement Award en 1979, dijo que quería mencionar a "cuatro personas que me han brindado más afecto, aprecio y aliento, y una colaboración constante. El primero de los cuatro es un editor de cine, el segundo es guionista, la tercera es la madre de mi hija, Pat, y la cuarta es la mejor cocinera que jamás ha realizado milagros en una cocina doméstica. Y se llaman Alma Reville ". Reville escribió o coescribió muchas de las películas de Hitchcock, incluidas Shadow of a Doubt, Suspicion y The 39 Steps.

Primeras películas sonoras

Anuncio de chantaje (1929)

Hitchcock comenzó a trabajar en su décima película, Blackmail (1929), cuando su productora, British International Pictures (BIP), convirtió sus estudios Elstree en sonido. La película fue el primer " talkie " británico ; esto siguió al rápido desarrollo de las películas sonoras en los Estados Unidos, desde el uso de breves segmentos sonoros en The Jazz Singer (1927) hasta el primer largometraje sonoro completo Lights of New York (1928). El chantaje inició la tradición de Hitchcock de utilizar monumentos famosos como telón de fondo para secuencias de suspenso, y el clímax tuvo lugar en la cúpula del Museo Británico. También presenta una de sus apariciones más largas, que lo muestra siendo molestado por un niño pequeño mientras lee un libro en el metro de Londres. En la serie de PBS The Men Who Made The Movies, Hitchcock explicó cómo usó la grabación de sonido temprana como un elemento especial de la película, enfatizando la palabra "cuchillo" en una conversación con la mujer sospechosa de asesinato. Durante este período, Hitchcock dirigió segmentos para una revista BIP, Elstree Calling (1930), y dirigió un cortometraje, An Elastic Affair (1930), con dos ganadores de la beca Film Weekly. An Elastic Affair es una de las películas perdidas.

En 1933 Hitchcock firmó un contrato de varias películas con Gaumont-British, una vez más trabajando para Michael Balcon. Su primera película para la compañía, El hombre que sabía demasiado (1934), fue un éxito; su segundo, The 39 Steps (1935), fue aclamado en el Reino Unido y le valió el reconocimiento en los Estados Unidos. También estableció a la inglesa por excelencia "rubia de Hitchcock" ( Madeleine Carroll ) como modelo para su sucesión de protagonistas elegantes y heladas. El guionista Robert Towne comentó: "No es una exageración decir que todo el entretenimiento escapista contemporáneo comienza con Los 39 pasos ". Esta película fue una de las primeras en introducir el dispositivo de trama " MacGuffin ", un término acuñado por el guionista inglés Angus MacPhail. El MacGuffin es un elemento u objetivo que persigue el protagonista, uno que de otra manera no tiene valor narrativo; en Los 39 pasos, el MacGuffin es un conjunto robado de planos de diseño.

Alma Reville, Joan Harrison, Hitchcock y Patricia Hitchcock, 24 de agosto de 1937

Hitchcock lanzó dos thrillers de espías en 1936. Sabotage se basó libremente en la novela de Joseph Conrad, The Secret Agent (1907), sobre una mujer que descubre que su marido es un terrorista, y Secret Agent, basada en dos historias de Ashenden: O el agente británico (1928) de W. Somerset Maugham.

En este momento, Hitchcock también se hizo famoso por sus bromas contra el elenco y el equipo. Estos chistes iban desde simples e inocentes hasta locos y maníacos. Por ejemplo, organizó una cena en la que tiñó toda la comida de azul porque afirmó que no había suficientes comidas azules. También hizo que le llevaran un caballo al camerino de su amigo, el actor Gerald du Maurier.

Hitchcock siguió con Young and Innocent en 1937, un thriller policial basado en la novela de 1936 Un chelín por velas de Josephine Tey. Protagonizada por Nova Pilbeam y Derrick De Marney, la película fue relativamente agradable de hacer para el elenco y el equipo. Para cumplir con los propósitos de distribución en Estados Unidos, se redujo el tiempo de ejecución de la película y esto incluyó la eliminación de una de las escenas favoritas de Hitchcock: una fiesta de té para niños que se vuelve amenazante para los protagonistas.

El siguiente gran éxito de Hitchcock fue The Lady Vanishes (1938), "una de las mejores películas de trenes de la época dorada del género", según Philip French, en la que Miss Froy ( May Whitty ), una espía británica que se hace pasar por institutriz, desaparece en un viaje en tren a través del país europeo ficticio de Bandrika. La película vio a Hitchcock recibir el premio al Mejor Director del Círculo de Críticos de Cine de Nueva York de 1938. Benjamin Crisler del New York Times escribió en junio de 1938: "Tres instituciones únicas y valiosas que tienen los británicos y que nosotros en Estados Unidos no tenemos: la Carta Magna, el Tower Bridge y Alfred Hitchcock, el mayor director de melodramas cinematográficos del mundo".

En 1938, Hitchcock sabía que había alcanzado su punto máximo en Gran Bretaña. Había recibido numerosas ofertas de productores en los Estados Unidos, pero las rechazó todas porque no le gustaban las obligaciones contractuales o pensaba que los proyectos eran repugnantes. Sin embargo, el productor David O. Selznick le ofreció una propuesta concreta para hacer una película basada en el hundimiento del RMS Titanic, que finalmente fue archivada, pero Selznick persuadió a Hitchcock para que fuera a Hollywood. En julio de 1938, Hitchcock voló a Nueva York y descubrió que ya era una celebridad; apareció en revistas y concedió entrevistas a emisoras de radio. En Hollywood, Hitchcock conoció a Selznick por primera vez. Selznick le ofreció un contrato de cuatro películas, aproximadamente $ 40,000 por cada película (equivalente a $ 735,414 en 2020).

Los primeros años de Hollywood: 1939-1945

Contrato de Selznick

Selznick firmó un contrato de siete años con Hitchcock a partir de abril de 1939, y los Hitchcock se mudaron a Hollywood. Los Hitchcock vivían en un espacioso apartamento en Wilshire Boulevard y poco a poco se aclimataron al área de Los Ángeles. Él y su esposa Alma mantuvieron un perfil bajo y no estaban interesados ​​en asistir a fiestas o ser celebridades. Hitchcock descubrió su gusto por la buena comida en West Hollywood, pero siguió con su estilo de vida desde Inglaterra. Quedó impresionado con la cultura cinematográfica de Hollywood, los presupuestos expansivos y la eficiencia, en comparación con los límites a los que se había enfrentado a menudo en Gran Bretaña. En junio de ese año, la revista Life lo llamó "el mayor maestro del melodrama en la historia de la pantalla".

Aunque Hitchcock y Selznick se respetaban, sus arreglos laborales eran a veces difíciles. Selznick sufría constantes problemas financieros, y Hitchcock a menudo estaba descontento con el control creativo de Selznick y la interferencia en sus películas. Selznick también estaba disgustado con el método de Hitchcock de filmar lo que estaba en el guión, y nada más, lo que significaba que la película no podía cortarse y rehacerse de manera diferente en un momento posterior. Además de quejarse del "maldito rompecabezas" de Hitchcock, sus personalidades no coincidían: Hitchcock era reservado mientras que Selznick era extravagante. Finalmente, Selznick prestó generosamente a Hitchcock a los estudios cinematográficos más grandes. Selznick hacía solo unas pocas películas cada año, al igual que el productor independiente Samuel Goldwyn, por lo que no siempre tenía proyectos para que Hitchcock los dirigiera. Goldwyn también había negociado con Hitchcock un posible contrato, solo para ser superado por Selznick. En una entrevista posterior, Hitchcock dijo: "[Selznick] era el gran productor... El productor era el rey. Lo más halagador que dijo el señor Selznick sobre mí, y te muestra el grado de control, dijo que yo era el 'único director' en el que 'confiaría una película' ".

Reproducir medios Tráiler de Rebecca (1940)

Hitchcock se acercó al cine estadounidense con cautela; su primera película estadounidense se desarrolló en Inglaterra en la que la "americanidad" de los personajes fue incidental: Rebecca (1940) se ambienta en una versión de Hollywood de Cornwall de Inglaterra y se basa en una novela de la novelista inglesa Daphne du Maurier. Selznick insistió en una adaptación fiel del libro y no estuvo de acuerdo con Hitchcock en el uso del humor. La película, protagonizada por Laurence Olivier y Joan Fontaine, trata sobre una joven ingenua y anónima que se casa con un aristócrata viudo. Vive en su gran casa de campo inglesa y lucha con la reputación de su elegante y mundana primera esposa Rebecca, que murió en circunstancias misteriosas. La película ganó el premio a la Mejor Película en los 13º Premios de la Academia ; la estatuilla fue entregada al productor Selznick. Hitchcock recibió su primera nominación a Mejor Director, la primera de cinco nominaciones de este tipo.

La segunda película estadounidense de Hitchcock fue el thriller Foreign Correspondent (1940), ambientado en Europa, basado en el libro Personal History (1935) de Vincent Sheean y producido por Walter Wanger. Fue nominada a Mejor Película ese año. Hitchcock se sentía incómodo viviendo y trabajando en Hollywood mientras Gran Bretaña estaba en guerra ; su preocupación dio lugar a una película que apoyaba abiertamente el esfuerzo bélico británico. Filmado en 1939, se inspiró en los acontecimientos rápidamente cambiantes en Europa, como lo cubrió un reportero de un periódico estadounidense interpretado por Joel McCrea. Al mezclar imágenes de escenas europeas con escenas filmadas en un backlot de Hollywood, la película evitó las referencias directas al nazismo, la Alemania nazi y los alemanes, para cumplir con el Código de producción cinematográfica en ese momento.

Años tempranos de la guerra

En septiembre de 1940, los Hitchcock compraron el Rancho Cornwall de 200 acres (0,81 km ²) cerca de Scotts Valley, California, en las montañas de Santa Cruz. Su residencia principal era una casa de estilo inglés en Bel Air, comprada en 1942. Las películas de Hitchcock fueron diversas durante este período, desde la comedia romántica Mr. amp; Mrs. Smith (1941) hasta la sombría película negra Shadow of a Doubt (1943).).

Cary Grant y Joan Fontaine en una foto publicitaria para Sospecha (1941)

Sospecha (1941) marcó la primera película de Hitchcock como productor y director. Está ambientado en Inglaterra; Hitchcock utilizó la costa norte de Santa Cruz para la secuencia de la costa inglesa. La película es la primera de cuatro en las que Cary Grant fue elegido por Hitchcock, y es una de las raras ocasiones en que Grant interpreta a un personaje siniestro. Grant interpreta a Johnnie Aysgarth, un estafador ingléscuyas acciones despiertan sospechas y ansiedad en su tímida y joven esposa inglesa, Lina McLaidlaw ( Joan Fontaine ). En una escena, Hitchcock colocó una luz dentro de un vaso de leche, quizás envenenada, que Grant le lleva a su esposa; la luz asegura que la atención del público esté en el cristal. El personaje de Grant es en realidad un asesino, según lo escrito en el libro, Before the Fact de Francis Iles, pero el estudio sintió que la imagen de Grant se vería empañada por eso. Por tanto, Hitchcock se conformó con un final ambiguo, aunque hubiera preferido terminar con el asesinato de la esposa. Fontaine ganó el premio a la Mejor Actriz por su actuación.

Saboteur (1942) es la primera de las dos películas que Hitchcock hizo para Universal Studios durante la década. Hitchcock se vio obligado por Universal a utilizar al jugador contratado de Universal Robert Cummings y Priscilla Lane, una trabajadora independiente que firmó un contrato de una sola imagen con el estudio, ambos conocidos por su trabajo en comedias y dramas ligeros. La historia describe una confrontación entre un presunto saboteador (Cummings) y un verdadero saboteador ( Norman Lloyd ) en lo alto de la Estatua de la Libertad. Hitchcock tomó una gira de tres días de la ciudad de Nueva York para scout de Saboteur ' lugares de rodaje s. También dirigió Have You Heard? (1942), una dramatización fotográfica para la revista Life sobre los peligros de los rumores durante la guerra. En 1943 escribió una historia de misterio para larevista Look, "El asesinato de Monty Woolley ", una secuencia de fotografías subtituladas que invitaban al lector a encontrar pistas sobre la identidad del asesino; Hitchcock eligió a los artistas como ellos mismos, como Woolley, Doris Merrick y el maquillador Guy Pearce.

Reproducir medios Shadow of a Doubt (1943) tráiler con Joseph Cotten y Teresa Wright

De vuelta en Inglaterra, la madre de Hitchcock, Emma, ​​estaba gravemente enferma; murió el 26 de septiembre de 1942 a los 79 años. Hitchcock nunca habló públicamente sobre su madre, pero su asistente dijo que la admiraba. Cuatro meses después, el 4 de enero de 1943, su hermano William murió de una sobredosis a los 52 años. Hitchcock no era muy cercano a William, pero su muerte hizo que Hitchcock tomara conciencia de sus propios hábitos de comer y beber. Tenía sobrepeso y sufría de dolores de espalda. Su resolución de Año Nuevo en 1943 fue tomarse en serio su dieta con la ayuda de un médico. En enero de ese año, se lanzó Shadow of a Doubt, que Hitchcock tenía muy buenos recuerdos de hacer. En la película, Charlotte "Charlie" Newton ( Teresa Wright ) sospecha que su amado tío Charlie Oakley ( Joseph Cotten ) es un asesino en serie. Hitchcock filmó extensamente en locaciones, esta vez en la ciudad de Santa Rosa, en el norte de California.

En 20th Century Fox, Hitchcock se acercó a John Steinbeck con una idea para una película, que registraba las experiencias de los sobrevivientes de un ataque de un submarino alemán. Steinbeck comenzó a trabajar en el guión de lo que se convertiría en Lifeboat (1944). Sin embargo, Steinbeck no estaba contento con la película y pidió que su nombre fuera eliminado de los créditos, pero fue en vano. La idea fue reescrita como un cuento por Harry Sylvester y publicada en Collier's en 1943. Las secuencias de acción fueron filmadas en un bote pequeño en el tanque de agua del estudio. El lugar planteaba problemas para el cameo tradicional de Hitchcock; se resolvió haciendo que la imagen de Hitchcock apareciera en un periódico que William Bendix está leyendo en el barco, mostrando al director en un anuncio de antes y después de "Reduco-Obesity Slayer". Le dijo a Truffaut en 1962:

En ese momento, estaba en una dieta extenuante, trabajando dolorosamente para subir de trescientas a doscientas libras. Así que decidí inmortalizar mi pérdida y obtener mi parte al posar para las fotos de "antes" y "después".... Me sumergí literalmente en cartas de gordos que querían saber dónde y cómo podían conseguir Reduco.

La cena típica de Hitchcock antes de su pérdida de peso había sido un pollo asado, jamón cocido, patatas, pan, verduras, condimentos, ensalada, postre, una botella de vino y un poco de brandy. Para adelgazar, su dieta consistía en café negro para el desayuno y el almuerzo, y bistec y ensalada para la cena, pero era difícil de mantener; Donald Spoto escribió que su peso fluctuó considerablemente durante los siguientes 40 años. A fines de 1943, a pesar de la pérdida de peso, la Occidental Insurance Company de Los Ángeles rechazó su solicitud de seguro de vida.

Películas de no ficción en tiempos de guerra

Más información: Encuesta fáctica sobre los campos de concentración alemanes

"Sentí la necesidad de hacer una pequeña contribución al esfuerzo bélico, y tenía sobrepeso y edad para el servicio militar. Sabía que si no hacía nada, me arrepentiría por el resto de mi vida... "

- Alfred Hitchcock (1967)

Hitchcock regresó al Reino Unido para una visita prolongada a fines de 1943 y principios de 1944. Mientras estuvo allí, realizó dos cortometrajes de propaganda, Bon Voyage (1944) y Aventure Malgache (1944), para el Ministerio de Información. En junio y julio de 1945, Hitchcock se desempeñó como "asesor de tratamiento" en un documental sobre el Holocausto que utilizó imágenes de las Fuerzas Aliadas de la liberación de los campos de concentración nazis. La película fue montada en Londres y producida por Sidney Bernstein del Ministerio de Información, quien trajo a Hitchcock (un amigo suyo) a bordo. Originalmente estaba destinado a ser transmitido a los alemanes, pero el gobierno británico lo consideró demasiado traumático para mostrarlo a una población conmocionada de la posguerra. En cambio, fue transferido en 1952 de las bóvedas de películas del British War Office al Imperial War Museum de Londres y permaneció inédito hasta 1985, cuando se transmitió una versión editada como un episodio de PBS Frontline, bajo el título que el Imperial War Museum le había dado: Memory. de los campamentos. La versión completa de la película, Encuesta fáctica de los campos de concentración alemanes, fue restaurada en 2014 por académicos en el Museo Imperial de la Guerra.

Años de la posguerra en Hollywood: 1945-1953

Películas posteriores de Selznick

Gregory Peck e Ingrid Bergman en Spellbound (1945)

Hitchcock volvió a trabajar para David Selznick cuando dirigió Spellbound (1945), que explora el psicoanálisis y presenta una secuencia de sueños diseñada por Salvador Dalí. La secuencia del sueño, tal como aparece en la película, es diez minutos más corta de lo que se imaginó originalmente; Selznick lo editó para que se "reproduzca" de manera más eficaz. Gregory Peck interpreta al amnésico Dr. Anthony Edwardes bajo el tratamiento del analista Dr. Peterson ( Ingrid Bergman ), quien se enamora de él mientras intenta desbloquear su pasado reprimido. Se lograron dos tomas de puntos de vista construyendo una gran mano de madera (que parecería pertenecer al personaje cuyo punto de vista tomó la cámara) y accesorios de gran tamaño para sostener: un vaso de leche del tamaño de un balde y una gran pistola de madera. Para mayor novedad e impacto, el disparo culminante fue pintado a mano de rojo en algunas copias de la película en blanco y negro. La partitura musical original de Miklós Rózsa hace uso del theremin, y parte de ella fue posteriormente adaptada por el compositor al Concierto para piano op de Rozsa. 31 (1967) para piano y orquesta.

La película de espías Notorious siguió en 1946. Hitchcock le dijo a François Truffaut que Selznick le vendió a él, Ingrid Bergman, Cary Grant y el guión de Ben Hecht a RKO Radio Pictures como un "paquete" por $ 500,000 (equivalente a $ 6,635,666 en 2020) porque de sobrecostos en Duelo al sol de Selznick (1946). Notorious está protagonizada por Bergman y Grant, ambos colaboradores de Hitchcock, y presenta una trama sobre los nazis, el uranio y América del Sur. Su uso profético del uranio como dispositivo de la trama lo llevó a ser brevemente vigilado por la Oficina Federal de Investigaciones. Según Patrick McGilligan, alrededor de marzo de 1945, Hitchcock y Hecht consultaron a Robert Millikan del Instituto de Tecnología de California sobre el desarrollo de una bomba de uranio. Selznick se quejó de que la noción era "ciencia ficción", sólo para enfrentarse a la noticia de la detonación de dos bombas atómicas en Hiroshima y Nagasaki en Japón en agosto de 1945.

Fotos transatlánticas

Una toma típica de Rope (1948) con James Stewart dando la espalda a la cámara fija

Hitchcock formó una productora independiente, Transatlantic Pictures, con su amigo Sidney Bernstein. Hizo dos películas con Transatlantic, una de las cuales fue su primera película en color. Con Rope (1948), Hitchcock experimentó con la ordenación del suspenso en un entorno confinado, como lo había hecho antes con Lifeboat. La película aparece como un número muy limitado de tomas continuas, pero en realidad se rodó en 10 que van desde 4 1 ⁄ 2 a 10 minutos cada una; una película de 10 minutos era lo máximo que podía contener la revista de películas de una cámara en ese momento. Algunas transiciones entre carretes se ocultaron al hacer que un objeto oscuro llenara toda la pantalla por un momento. Hitchcock usó esos puntos para ocultar el corte y comenzó la siguiente toma con la cámara en el mismo lugar. La película presenta a James Stewart en el papel principal, y fue la primera de las cuatro películas que Stewart hizo con Hitchcock. Se inspiró en el caso de Leopold y Loeb de la década de 1920. La respuesta crítica en ese momento fue mixta.

Under Capricorn (1949), ambientada en la Australia del siglo XIX, también utiliza la técnica de corta duración de las tomas largas, pero en un grado más limitado. Volvió a utilizar Technicolor en esta producción y luego volvió al blanco y negro durante varios años. Transatlantic Pictures quedó inactiva después de las dos últimas películas. Hitchcock filmó Stage Fright (1950) en los estudios Elstree en Inglaterra, donde había trabajado durante su contrato con British International Pictures muchos años antes. Emparejó a una delas estrellas más popularesde Warner Bros., Jane Wyman, con la actriz alemana expatriada Marlene Dietrich y utilizó a varios actores británicos prominentes, incluidos Michael Wilding, Richard Todd y Alastair Sim. Esta fue la primera producción adecuada de Hitchcock para Warner Bros., que había distribuido Rope y Under Capricorn, porque Transatlantic Pictures estaba atravesando dificultades financieras.

Su thriller Strangers on a Train (1951) se basó en la novela homónima de Patricia Highsmith. Hitchcock combinó muchos elementos de sus películas anteriores. Se acercó a Dashiell Hammett para escribir el diálogo, pero Raymond Chandler se hizo cargo y luego dejó los desacuerdos con el director. En la película, dos hombres se encuentran casualmente, uno de los cuales especula sobre un método infalible para asesinar; sugiere que dos personas, cada una de las cuales desee deshacerse de alguien, deben realizar el asesinato de la otra. El papel de Farley Granger fue el de víctima inocente del plan, mientras que Robert Walker, anteriormente conocido por sus papeles de "chico de al lado", interpretó al villano. I Confess (1953) se ambienta en Quebec con Montgomery Clift como sacerdote católico.

Años pico: 1954-1964

Marque M para asesinato y ventana trasera

James Stewart y Grace Kelly en Rear Window (1954)

I Confess fue seguido por tres películas en color protagonizadas por Grace Kelly : Dial M for Murder (1954), Rear Window (1954) y To Catch a Thief (1955). En Dial M for Murder, Ray Milland interpreta al villano que intenta asesinar a su esposa infiel (Kelly) por su dinero. Ella mata al asesino a sueldo en defensa propia, por lo que Milland manipula la evidencia para que parezca un asesinato. Su amante, Mark Halliday ( Robert Cummings ) y el inspector de policía Hubbard ( John Williams ) la salvan de la ejecución. Hitchcock experimentó con la cinematografía 3D para Dial M for Murder.

Hitchcock se mudó a Paramount Pictures y filmó Rear Window (1954), protagonizada por James Stewart y Grace Kelly, así como por Thelma Ritter y Raymond Burr. El personaje de Stewart es un fotógrafo llamado Jeff (basado en Robert Capa ) que debe usar temporalmente una silla de ruedas. Por aburrimiento, comienza a observar a sus vecinos al otro lado del patio, luego se convence de que uno de ellos (Raymond Burr) ha asesinado a su esposa. Jeff finalmente logra convencer a su compañero policía ( Wendell Corey ) y su novia (Kelly). Al igual que con Salvavidas y Cuerda, los personajes principales están representados en espacios reducidos o estrechos, en este caso, el estudio de Stewart. Hitchcock utiliza primeros planos del rostro de Stewart para mostrar las reacciones de su personaje, "desde el voyeurismo cómico dirigido a sus vecinos hasta su terror indefenso al ver a Kelly y Burr en el apartamento del villano".

Alfred Hitchcock presenta

Pat Hitchcock con su hija Terry y su esposo Joseph O'Connell, Alma Reville, Mary Alma O'Connell, Alfred Hitchcock (en el sentido de las agujas del reloj desde la parte superior izquierda), c. 1955-1956

De 1955 a 1965, Hitchcock fue el presentador de la serie de televisión Alfred Hitchcock Presents. Con su entrega divertida, su humor negro y su imagen icónica, la serie convirtió a Hitchcock en una celebridad. La secuencia del título de la muestra representaba una caricatura minimalista de su perfil (lo dibujó él mismo; está compuesto por solo nueve trazos), que luego llenó su silueta real. El tema de la serie fue Marcha fúnebre de una marioneta del compositor francés Charles Gounod (1818–1893).

Sus presentaciones siempre incluían algún tipo de humor irónico, como la descripción de una ejecución reciente de varias personas obstaculizada por tener solo una silla eléctrica, mientras que dos se muestran con un cartel "¡Dos sillas, sin esperas!" Dirigió 18 episodios de la serie, que se emitió de 1955 a 1965. Se convirtió en La hora de Alfred Hitchcock en 1962, y NBC emitió el episodio final el 10 de mayo de 1965. En la década de 1980, se produjo una nueva versión de Alfred Hitchcock Presents para televisión., haciendo uso de las presentaciones originales de Hitchcock en una forma coloreada.

El éxito de Hitchcock en la televisión generó una serie de colecciones de cuentos a su nombre; estos incluyeron la Antología de Alfred Hitchcock, Historias que no me dejarían hacer en la televisión y Cuentos que mi madre nunca me contó. En 1956, HSD Publications también autorizó el nombre del director para crear la revista Mystery de Alfred Hitchcock, un compendio mensual especializado en crímenes y novela policíaca. Las series de televisión de Hitchcock eran muy rentables y sus versiones de libros en idiomas extranjeros generaban ingresos de hasta $ 100,000 al año (equivalente a $ 874,803 en 2020).

De atrapar a un ladrón al vértigo

En 1955, Hitchcock se convirtió en ciudadano de los Estados Unidos. Ese mismo año, se estrenó su tercera película de Grace Kelly, To Catch a Thief ; está ambientada en la Riviera francesa y está protagonizada por Kelly y Cary Grant. Grant interpreta al ladrón retirado John Robie, quien se convierte en el principal sospechoso de una serie de robos en la Riviera. Una heredera estadounidense en busca de emociones, interpretada por Kelly, conjetura su verdadera identidad y trata de seducirlo. "A pesar de la obvia disparidad de edad entre Grant y Kelly y una trama liviana, el guión ingenioso (cargado de doble sentido) y la actuación afable demostraron ser un éxito comercial". Fue la última película de Hitchcock con Kelly; se casó con el príncipe Rainiero de Mónaco en 1956 y luego terminó su carrera cinematográfica. Hitchcock luego rehizo su propia película de 1934 The Man Who Knew Too Much en 1956. Esta vez, la película fue protagonizada por James Stewart y Doris Day, quienes cantaron el tema principal " Que Sera, Sera ", que ganó el Oscar a la Mejor Canción Original y se convirtió en un gran éxito. Interpretan a una pareja cuyo hijo es secuestrado para evitar que interfieran en un asesinato. Como en la película de 1934, el clímax tiene lugar en el Royal Albert Hall.

The Wrong Man (1956), la última película de Hitchcock para Warner Bros., es una producción discreta en blanco y negro basada en un caso real de identidad equivocada reportado en la revista Life en 1953. Esta fue la única película de Hitchcock para protagonizar Henry Fonda, interpretando a unmúsico del Stork Club confundido con un ladrón de una licorería, que es arrestado y juzgado por robo mientras su esposa ( Vera Miles ) colapsa emocionalmente bajo la tensión. Hitchcock le dijo a Truffaut que su miedo de toda la vida a la policía lo atrajo al tema y estaba incrustado en muchas escenas.

Kim Novak por el puente Golden Gate en Vertigo (1958)

Mientras dirigía episodios de Alfred Hitchcock Presents durante el verano de 1957, Hitchcock fue ingresado en el hospital por una hernia y cálculos biliares, y tuvo que extirparle la vesícula biliar. Después de una cirugía exitosa, inmediatamente regresó al trabajo para prepararse para su próximo proyecto. Vértigo (1958) nuevamente fue protagonizada por James Stewart, con Kim Novak y Barbara Bel Geddes. Quería que Vera Miles hiciera el papel principal, pero estaba embarazada. Le dijo a Oriana Fallaci : "Le estaba ofreciendo un gran papel, la oportunidad de convertirse en una hermosa rubia sofisticada, una verdadera actriz. Nos habríamos gastado un montón de dólares en eso y ella tiene el mal gusto de quedar embarazada. Yo Odio a las mujeres embarazadas, porque luego tienen hijos ".

En Vértigo, Stewart interpreta a Scottie, un ex investigador de la policía que sufre de acrofobia, que se obsesiona con una mujer a la que le han contratado para seguir (Novak). La obsesión de Scottie lleva a la tragedia, y esta vez Hitchcock no optó por un final feliz. Algunos críticos, incluidos Donald Spoto y Roger Ebert, coinciden en que Vértigo es la película más personal y reveladora del director, que trata sobre las obsesiones de un hombre que hace de una mujer la persona que desea, al estilo Pigmalión. Vértigo explora con más franqueza y con mayor profundidad su interés por la relación entre sexo y muerte, que cualquier otro trabajo de su filmografía.

Vértigo contiene una técnica de cámara desarrollada por Irmin Roberts, comúnmente conocida como dolly zoom, que ha sido copiada por muchos cineastas. La película se estrenó en el Festival Internacional de Cine de San Sebastián y Hitchcock ganó el premio Silver Seashell. El vértigo se considera un clásico, pero atrajo críticas mixtas y bajos ingresos de taquilla en ese momento; el crítico de la revista Variety opinó que la película era "demasiado lenta y demasiado larga". Bosley Crowther del New York Times pensó que era "endiabladamente inverosímil", pero elogió las actuaciones del elenco y la dirección de Hitchcock. La imagen también fue la última colaboración entre Stewart y Hitchcock. En las encuestas de Sight amp; Sound de 2002, se ubicó justo detrás de Citizen Kane (1941); diez años después, en la misma revista, la crítica la eligió como la mejor película jamás realizada.

North by Northwest y Psycho

Véase también: Psycho (franquicia)

Después de Vértigo, el resto de 1958 fue un año difícil para Hitchcock. Durante la preproducción de North by Northwest (1959), que fue un proceso "lento" y "agonizante", su esposa Alma fue diagnosticada con cáncer. Mientras ella estaba en el hospital, Hitchcock se mantuvo ocupado con su trabajo de televisión y la visitaba todos los días. Alma se sometió a una cirugía y se recuperó por completo, pero eso hizo que Hitchcock imaginara, por primera vez, la vida sin ella.

Psico mosaico en la Galería Hitchcock en la estación de metro Leytonstone

Hitchcock siguió con tres películas más exitosas, que también son reconocidas entre sus mejores: North by Northwest, Psycho (1960) y The Birds (1963). En North by Northwest, Cary Grant interpreta a Roger Thornhill, un ejecutivo de publicidad de Madison Avenue que es confundido con un agente secreto del gobierno. Es perseguido en todo Estados Unidos por agentes enemigos, incluida Eve Kendall ( Eva Marie Saint ). Al principio, Thornhill cree que Kendall lo está ayudando, pero luego se da cuenta de que ella es una agente enemiga; más tarde se entera de que ella trabaja encubierta para la CIA. Durante su estreno de dos semanas en el Radio City Music Hall, la película recaudó $ 404,056 (equivalente a $ 3,587,150 en 2020), estableciendo un récord bruto no festivo para ese teatro. La revista Time calificó la película como "suave y entretenida".

Psicosis (1960) es posiblemente la película más conocida de Hitchcock. Basada enla novela Psicosis de Robert Bloch de 1959, que se inspiró en el caso de Ed Gein, la película se produjo con un presupuesto ajustado de 800.000 dólares (equivalente a 6.998.425 dólares en 2020) y se rodó en blanco y negro en un set de repuesto utilizando miembros de la tripulación de Alfred Hitchcock Presents. La violencia sin precedentes de la escena de la ducha, la muerte prematura de la heroína y las vidas inocentes extinguidas por un asesino perturbado se convirtieron en el sello distintivo de un nuevo género cinematográfico de terror. La película resultó popular entre el público, con filas que se extendían fuera de los cines mientras los espectadores esperaban la próxima proyección. Rompió récords de taquilla en el Reino Unido, Francia, América del Sur, Estados Unidos y Canadá, y fue un éxito moderado en Australia durante un breve período.

Psycho fue el más rentable de la carrera de Hitchcock, y él personalmente ganó más de $ 15 millones (equivalente a $ 131,22 millones en 2020). Posteriormente, cambió sus derechos sobre Psycho y su antología televisiva por 150.000 acciones de MCA, lo que lo convirtió en el tercer accionista más grande y su propio jefe en Universal, al menos en teoría, aunque eso no detuvo la interferencia del estudio. Después de la primera película, Psycho se convirtió en una franquicia de terror estadounidense: Psycho II, Psycho III, Bates Motel, Psycho IV: The Beginning y una nueva versión en color de 1998 del original.

Entrevista truffaut

Más información: Hitchcock / Truffaut y Hitchcock / Truffaut (película)

El 13 de agosto de 1962, el 63 cumpleaños de Hitchcock, el director francés François Truffaut inició una entrevista de 50 horas a Hitchcock, filmada durante ocho días en Universal Studios, durante la cual Hitchcock accedió a responder 500 preguntas. Fueron necesarios cuatro años para transcribir las cintas y organizar las imágenes; fue publicado como un libro en 1967, que Truffaut apodó el "Hitchbook". Las cintas de audio se utilizaron como base para un documental en 2015. Truffaut buscó la entrevista porque tenía claro que Hitchcock no era simplemente el artista del mercado de masas que los medios estadounidenses lo hacían parecer. Era obvio por sus películas, escribió Truffaut, que Hitchcock había "pensado más en el potencial de su arte que cualquiera de sus colegas". Comparó la entrevista con "la consulta de Edipo al oráculo".

Las aves

Más información: The Girl (película de televisión de 2012) y Tippi Hedren § Acoso sexual Reproducir medios Tráiler de Los pájaros (1963), en el que Hitchcock analiza el trato que la humanidad da a "nuestros amigos emplumados".

El estudioso del cine Peter William Evans escribió que Los pájaros (1963) y Marnie (1964) se consideran "obras maestras indiscutibles". Hitchcock tenía la intención de filmar a Marnie primero, y en marzo de 1962 se anunció que Grace Kelly, la princesa Grace de Mónaco desde 1956, saldría de su retiro para protagonizarla. Cuando Kelly le pidió a Hitchcock que pospusiera a Marnie hasta 1963 o 1964, reclutó a Evan Hunter, autor de The Blackboard Jungle (1954), para desarrollar un guión basado en un cuento de Daphne du Maurier, " The Birds " (1952), que Hitchcock había escrito. republicado en sus favoritos en suspenso (1959). Contrató a Tippi Hedren para interpretar el papel principal. Fue su primer papel; había sido modelo en Nueva York cuando Hitchcock la vio, en octubre de 1961, en un anuncio de televisión de NBC para Sego, una bebida dietética: "La fiché porque es una belleza clásica. Las películas ya no las tienen. Grace Kelly fue la última ". Insistió, sin dar explicaciones, en que su nombre de pila se escribiera entre comillas simples: 'Tippi'.

En Los pájaros, Melanie Daniels, una joven socialité, conoce al abogado Mitch Brenner ( Rod Taylor ) en una tienda de pájaros; Jessica Tandy interpreta a su madre posesiva. Hedren lo visita en Bodega Bay (donde se filmó The Birds) llevando un par de tortolitos como regalo. De repente, oleadas de pájaros comienzan a reunirse, observar y atacar. La pregunta: "¿Qué quieren los pájaros?" queda sin respuesta. Hitchcock hizo la película con equipo de Revue Studio, que hizo Alfred Hitchcock Presents. Dijo que era su película más desafiante desde el punto de vista técnico, utilizando una combinación de pájaros entrenados y mecánicos contra un telón de fondo de pájaros salvajes. Cada plano fue bosquejado de antemano.

Una película para televisión de HBO / BBC, The Girl (2012), describió las experiencias de Hedren en el set; dijo que Hitchcock se obsesionó con ella y la acosó sexualmente. Según los informes, la aisló del resto de la tripulación, la siguió, le susurró obscenidades, analizó su escritura y construyó una rampa desde su oficina privada directamente a su remolque. Diane Baker, su coprotagonista en Marnie, dijo: "Nada podría haber sido más horrible para mí que llegar al plató de la película y ver que la trataban como era". Mientras filmaba la escena del ataque en el ático, que tardó una semana en filmarse, la colocaron en una habitación enjaulada mientras dos hombres con guantes protectores hasta los codos le arrojaban aves vivas. Hacia el final de la semana, para evitar que los pájaros volaran lejos de ella demasiado pronto, una pata de cada pájaro fue atada con hilo de nailon a bandas elásticas cosidas dentro de su ropa. Se derrumbó después de que un pájaro le cortara el párpado inferior y la filmación se detuvo por orden del médico.

Marnie

Reproducir medios Tráiler de Marnie (1964)

En junio de 1962, Grace Kelly anunció que había decidido no aparecer en Marnie (1964). Hedren había firmado un contrato exclusivo de siete años y $ 500 a la semana con Hitchcock en octubre de 1961, y decidió elegirla para el papel principal junto a Sean Connery. En 2016, describiendo la actuación de Hedren como "una de las más grandes en la historia del cine", Richard Brody llamó a la película una "historia de violencia sexual" infligida al personaje interpretado por Hedren: "La película es, para decirlo simplemente, enfermiza, y es así porque Hitchcock estaba enfermo. Sufrió toda su vida de un deseo sexual furioso, sufrió la falta de su gratificación, sufrió la incapacidad de transformar la fantasía en realidad, y luego siguió adelante y lo hizo virtualmente, a través de su Arte." Una reseña de una película del New York Times de 1964 la calificó como la "película más decepcionante en años" de Hitchcock, citando la falta de experiencia de Hedren y Connery, un guión amateur y "fondos de cartón evidentemente falsos".

En la película, Marnie Edgar (Hedren) le roba $ 10,000 a su empleador y se da a la fuga. Solicita un trabajo en la empresa de Mark Rutland (Connery) en Filadelfia y también roba allí. Anteriormente, se la muestra teniendo un ataque de pánico durante una tormenta y temiendo el color rojo. Mark la rastrea y la chantajea para que se case con él. Ella explica que no quiere que la toquen, pero durante la "luna de miel", Mark la viola. Marnie y Mark descubren que la madre de Marnie había sido una prostituta cuando Marnie era una niña, y que, mientras la madre estaba peleando con un cliente durante una tormenta, la madre creía que el cliente había intentado abusar de Marnie, Marnie había matado al cliente para salvar su madre. Curada de sus miedos cuando recuerda lo sucedido, decide quedarse con Mark.

Los Hitchcocks con la primera dama Pat Nixon y la primera hija Julie Nixon Eisenhower en 1969

Hitchcock le dijo al director de fotografía Robert Burks que la cámara tenía que colocarse lo más cerca posible de Hedren cuando filmaba su rostro. Evan Hunter, el guionista de Los pájaros que también estaba escribiendo Marnie, le explicó a Hitchcock que, si Mark amaba a Marnie, la consolaría, no la violaría. Según los informes, Hitchcock respondió: "Evan, cuando se la meta, ¡quiero esa cámara directamente en su cara!" Cuando Hunter presentó dos versiones del guión, una sin la escena de la violación, Hitchcock lo reemplazó con Jay Presson Allen.

Años posteriores: 1966-1980

Películas finales

La mala salud redujo la producción de Hitchcock durante las últimas dos décadas de su vida. El biógrafo Stephen Rebello afirmó que Universal le impuso dos películas, Cortina rasgada (1966) y Topacio (1969), la última de las cuales está basada en una novela de León Uris, ambientada en parte en Cuba. Ambos eran thrillers de espías con temas relacionados con la Guerra Fría. Torn Curtain, con Paul Newman y Julie Andrews, precipitó el amargo final de la colaboración de 12 años entre Hitchcock y el compositor Bernard Herrmann. Hitchcock estaba descontento con la puntuación de Herrmann y lo reemplazó con John Addison, Jay Livingston y Ray Evans. Tras su lanzamiento, Torn Curtain fue un fracaso de taquilla, y Topaz no fue del agrado de la crítica y el estudio.

Hitchcock trabajando en Family Plot, San Francisco, verano de 1975

Hitchcock regresó a Gran Bretaña para realizar su penúltima película, Frenzy (1972), basada en la novela Goodbye Piccadilly, Farewell Leicester Square (1966). Después de dos películas de espionaje, la trama marcó un regreso al género de thriller de asesinatos. Richard Blaney ( Jon Finch ), un camarero volátil con un historial de ira explosiva, se convierte en el principal sospechoso de la investigación de los "Asesinatos de la corbata", que en realidad son cometidos por su amigo Bob Rusk ( Barry Foster ). Esta vez, Hitchcock hace que la víctima y el villano sean parientes, en lugar de opuestos como en Extraños en un tren.

En Frenzy, Hitchcock permitió la desnudez por primera vez. Dos escenas muestran mujeres desnudas, una de las cuales es violada y estrangulada; Donald Spoto llamó a este último "uno de los ejemplos más repugnantes de un asesinato detallado en la historia del cine". Ambos actores, Barbara Leigh-Hunt y Anna Massey, se negaron a hacer las escenas, por lo que se utilizaron modelos en su lugar. Los biógrafos han notado que Hitchcock siempre había superado los límites de la censura cinematográfica, a menudo logrando engañar a Joseph Breen, el director del Código de Producción Cinematográfica. Hitchcock agregaría sutiles indicios de irregularidades prohibidas por la censura hasta mediados de la década de 1960. Sin embargo, Patrick McGilligan escribió que Breen y otros a menudo se daban cuenta de que Hitchcock estaba insertando ese material y en realidad se divertían y alarmaban por las "ineludibles inferencias" de Hitchcock.

Family Plot (1976) fue la última película de Hitchcock. Relata las aventuras de "Madam" Blanche Tyler, interpretada por Barbara Harris, una espiritualista fraudulenta, y su amante del taxista Bruce Dern, que se gana la vida con sus falsos poderes. Si bien Family Plot se basó en lanovela de Victor Canning The Rainbird Pattern (1972), el tono de la novela es más siniestro. El guionista Ernest Lehman escribió originalmente la película, bajo el título provisional Deception, con un tono oscuro, pero Hitchcock lo llevó a un tono más ligero y cómico, donde tomó el nombre Deceit, y finalmente, Family Plot.

Caballería y muerte

c.1972 por Jack Mitchell

Hacia el final de su vida, Hitchcock estaba trabajando en el guión de un thriller de espías, The Short Night, en colaboración con James Costigan, Ernest Lehman y David Freeman. A pesar del trabajo preliminar, nunca se filmó. La salud de Hitchcock empeoraba y estaba preocupado por su esposa, que había sufrido un derrame cerebral. El guión finalmente se publicó en el libro de Freeman Los últimos días de Alfred Hitchcock (1999).

Habiendo rechazado un CBE en 1962, Hitchcock fue nombrado Caballero Comandante de la Orden Más Excelente del Imperio Británico (KBE) en los Honores de Año Nuevo de 1980. Estaba demasiado enfermo para viajar a Londres (tenía un marcapasos y le aplicaban inyecciones de cortisona para la artritis), de modo que el 3 de enero de 1980 el cónsul general británico le presentó los documentos en Universal Studios. Cuando un periodista le preguntó después de la ceremonia por qué le había tomado tanto tiempo a la reina, Hitchcock bromeó: "Supongo que fue una cuestión de descuido". Cary Grant, Janet Leigh y otros asistieron a un almuerzo después.

Su última aparición pública fue el 16 de marzo de 1980, cuando presentó al ganador del premio del American Film Institute del año siguiente. Murió de insuficiencia renal al mes siguiente, el 29 de abril, en su casa de Bel Air. Donald Spoto, uno de los biógrafos de Hitchcock, escribió que Hitchcock se había negado a ver a un sacerdote, pero según el sacerdote jesuita Mark Henninger, él y otro sacerdote, Tom Sullivan, celebraron la misa en la casa del cineasta y Sullivan escuchó su confesión. A Hitchcock le sobrevivieron su esposa e hija. Su funeral se llevó a cabo en la iglesia católica Good Shepherd en Beverly Hills el 30 de abril, después de lo cual su cuerpo fue incinerado. Sus restos fueron esparcidos sobre el Océano Pacífico el 10 de mayo de 1980.

Cinematografía

Estilo y temas

Artículos principales: Temas y dispositivos de la trama en las películas de Hitchcock y Lista de apariciones de cameo de Alfred Hitchcock Cameo de Hitchcock en The Lady Vanishes (1938)

La carrera de producción cinematográfica de Hitchcock evolucionó de películas mudas a pequeña escala a películas sonoras económicamente significativas. Hitchcock comentó que estuvo influenciado por los primeros cineastas George Méliès, DW Griffith y Alice Guy-Blaché. Sus películas mudas entre 1925 y 1929 fueron de los géneros de crimen y suspenso, pero también incluyeron melodramas y comedias. Si bien la narración visual fue pertinente durante la era del cine mudo, incluso después de la llegada del sonido, Hitchcock todavía se basó en las imágenes en el cine. En Gran Bretaña, perfeccionó su oficio de modo que cuando se mudó a Hollywood, el director había perfeccionado su estilo y técnicas de cámara. Hitchcock dijo más tarde que su obra británica fue la "sensación del cine", mientras que la fase estadounidense fue cuando sus "ideas fueron fertilizadas". El académico Robin Wood escribe que las dos primeras películas del director, The Pleasure Garden y The Mountain Eagle, fueron influenciadas por el expresionismo alemán. Posteriormente, descubrió el cine soviético y las teorías del montaje de Sergei Eisenstein y Vsevolod Pudovkin. The Lodger de 1926 se inspiró en la estética alemana y soviética, estilos que solidificaron el resto de su carrera. Aunque el trabajo de Hitchcock en la década de 1920 tuvo cierto éxito, varios críticos británicos criticaron las películas de Hitchcock por ser poco originales y engreídas. Raymond Durgnat opinó que las películas de Hitchcock se construyeron con cuidado e inteligencia, pero pensó que pueden ser superficiales y rara vez presentan una "cosmovisión coherente".

Ganándose el título de "Maestro del suspenso", el director experimentó con formas de generar tensión en su trabajo. Dijo: "Mi trabajo de suspenso surge de crear pesadillas para la audiencia. Y juego con una audiencia. Los hago jadear y los sorprender y escandalizar. Cuando tienes una pesadilla, es terriblemente vívido si estás soñando que te llevan a la silla eléctrica. Entonces estás tan feliz como puedas cuando te despiertas porque estás aliviado ". Durante el rodaje de North by Northwest, Hitchcock explicó sus razones para recrear el set de Mount Rushmore : "El público responde en proporción a lo realista que lo haces. Una de las razones dramáticas de este tipo de fotografía es que parezca tan natural que la audiencia se involucra y cree, por el momento, lo que está pasando en la pantalla ".

Las películas de Hitchcock, desde la era del cine mudo hasta la del sonido, contenían una serie de temas recurrentes por los que es famoso. Sus películas exploraron a la audiencia como un voyeur, especialmente en Rear Window, Marnie y Psycho. Entendió que los seres humanos disfrutan de las actividades voyeristas e hizo que la audiencia participara en ellas a través de las acciones del personaje. De sus cincuenta y tres películas, once giraron en torno a historias de identidad equivocada, donde un protagonista inocente es acusado de un delito y perseguido por la policía. En la mayoría de los casos, es una persona común y corriente la que se encuentra en una situación peligrosa. Hitchcock le dijo a Truffaut: "Creo que eso se debe a que el tema del inocente acusado proporciona a la audiencia una mayor sensación de peligro. Es más fácil para ellos identificarse con él que con un culpable en fuga". Uno de sus temas constantes fue la lucha de una personalidad dividida entre "orden y caos"; conocida como la noción de "doble", que es una comparación o contraste entre dos personajes u objetos: el doble representa un lado oscuro o maligno.

Según Robin Wood, Hitchcock tenía sentimientos encontrados hacia la homosexualidad a pesar de trabajar con actores homosexuales en su carrera. Donald Spoto sugiere que la infancia sexualmente represiva de Hitchcock puede haber contribuido a su exploración de la desviación. Durante la década de 1950, el Código de producción cinematográfica prohibió las referencias directas a la homosexualidad, pero el director era conocido por sus sutiles referencias y por traspasar los límites de la censura. Además, Shadow of a Doubt tiene un tema de doble incesto a través de la trama, expresado implícitamente a través de imágenes. La autora Jane Sloan sostiene que Hitchcock se sintió atraído por la expresión sexual convencional y no convencional en su trabajo, y que el tema del matrimonio generalmente se presentaba de una manera "sombría y escéptica". Tampoco fue hasta después de la muerte de su madre en 1942, que Hitchcock retrató a las figuras maternas como "notorias madres monstruosas". El telón de fondo del espionaje y los asesinatos cometidos por personajes con tendencias psicopáticas también fueron temas comunes. En la descripción de Hitchcock de villanos y asesinos, generalmente eran encantadores y amigables, lo que obligaba a los espectadores a identificarse con ellos. La estricta educación infantil y jesuita del director puede haber llevado a desconfiar de figuras autoritarias como policías y políticos; un tema que ha explorado. Además, usó el " MacGuffin ", el uso de un objeto, persona o evento para mantener la trama en movimiento incluso si no era esencial para la historia. Algunos ejemplos incluyen el microfilm en North by Northwest y los $ 40,000 robados en Psycho.

Hitchcock aparece brevemente en la mayoría de sus propias películas. Por ejemplo, se le ve luchando para subir un contrabajo a un tren ( Extraños en un tren ), sacando perros de una tienda de mascotas ( Los pájaros ), arreglando el reloj de un vecino ( Ventana trasera ), como una sombra ( Parcela familiar ), sentado en una mesa en una fotografía ( Marque M para asesinato ), y en un autobús ( North by Northwest, To Catch a Thief ).

Representación de mujeres

La representación que hace Hitchcock de las mujeres ha sido objeto de mucho debate académico. Bidisha escribió en The Guardian en 2010: " Está el vampiro, el vagabundo, el soplón, la bruja, el escurridizo, el tramposo y, lo mejor de todo, la mamá demonio. No te preocupes, todos son castigados en el fin." En un ensayo ampliamente citado en 1975, Laura Mulvey introdujo la idea de la mirada masculina ; la vista del espectador en las películas de Hitchcock, argumentó, es la del protagonista masculino heterosexual. "Los personajes femeninos de sus películas reflejaban las mismas cualidades una y otra vez", escribió Roger Ebert en 1996: "Eran rubios. Eran gélidos y remotos. Fueron encarcelados en trajes que combinaban sutilmente la moda con el fetichismo. Hipnotizaron a los hombres, que a menudo tenía discapacidades físicas o psicológicas. Tarde o temprano, todas las mujeres de Hitchcock fueron humilladas ".

Kim Novak y James Stewart en Vértigo (1958)

Las víctimas de The Lodger son todas rubias. En Los 39 pasos, a Madeleine Carroll la esposan. Ingrid Bergman, a quien Hitchcock dirigió tres veces ( Spellbound, Notorious y Under Capricorn ), es rubia oscura. En Rear Window, Lisa ( Grace Kelly ) arriesga su vida al irrumpir en el apartamento de Lars Thorwald. En Atrapar a un ladrón, Francie (también Kelly) se ofrece a ayudar a un hombre que cree que es un ladrón. En Vertigo y North by Northwest respectivamente, Kim Novak y Eva Marie Saint interpretan a las heroínas rubias. En Psicosis, el personaje de Janet Leigh roba 40.000 dólares y es asesinado por Norman Bates, un psicópata solitario. Tippi Hedren, una rubia, parece ser el foco de los ataques en The Birds. En Marnie, el personaje principal, nuevamente interpretado por Hedren, es un ladrón. En Topaz, las actrices francesas Dany Robin como la esposa de Stafford y Claude Jade como la hija de Stafford son heroínas rubias, la amante fue interpretada por la morena Karin Dor. La última heroína rubia de Hitchcock fue Barbara Harris como una falsa psíquica convertida en detective aficionada en Family Plot (1976), su última película. En la misma película, el contrabandista de diamantes interpretado por Karen Black usa una larga peluca rubia en varias escenas.

Sus películas a menudo presentan personajes que luchan en sus relaciones con sus madres, como Norman Bates en Psycho. En North by Northwest, Roger Thornhill ( Cary Grant ) es un hombre inocente ridiculizado por su madre por insistir en que hombres oscuros y asesinos lo persiguen. En Los pájaros, el personaje de Rod Taylor, un hombre inocente, encuentra su mundo bajo el ataque de pájaros feroces y lucha por liberarse de una madre aferrada ( Jessica Tandy ). El asesino de Frenzy detesta a las mujeres, pero idolatra a su madre. El villano Bruno en Strangers on a Train odia a su padre, pero tiene una relación increíblemente cercana con su madre (interpretada por Marion Lorne ). Sebastian ( Claude Rains ) en Notorious tiene una relación claramente conflictiva con su madre, que sospecha (con razón) de su nueva esposa, Alicia Huberman ( Ingrid Bergman ).

Relación con actores

 ... Le dije que mi idea de buen actor o buena actriz es alguien que no puede hacer nada muy bien.... Dije: "Esa es una de las cosas que tienes que aprender a tener... autoridad". Fuera de la autoridad viene el control y fuera de control obtienes el rango... Ya sea que hagas poca actuación, mucha actuación en una escena determinada. Sabes exactamente a dónde vas. Y estas fueron las primeras cosas que tuvo que saber. La emoción viene después y el control de la voz viene después. Pero, dentro de sí misma, tuvo que aprender la autoridad ante todo porque de la autoridad viene el tiempo.

- Alfred Hitchcock (1967)

Hitchcock se hizo conocido por haber comentado que "los actores deben ser tratados como ganado". Durante el rodaje de Mr. amp; Mrs. Smith (1941), Carole Lombard trajo tres vacas al set con las etiquetas con los nombres de Lombard, Robert Montgomery y Gene Raymond, las estrellas de la película, para sorprenderlo. En un episodio de The Dick Cavett Show, emitido originalmente el 8 de junio de 1972, Dick Cavett declaró como un hecho que Hitchcock una vez había llamado ganado a los actores. Hitchcock respondió diciendo que, en un momento, había sido acusado de llamar ganado a los actores. "Dije que nunca diría una cosa tan insensible y grosera sobre los actores. Lo que probablemente dije fue que todos los actores deben ser tratados como ganado... De una manera agradable, por supuesto". Luego describió la broma de Carole Lombard, con una sonrisa.

Hitchcock creía que los actores deberían concentrarse en sus interpretaciones y dejar el trabajo sobre el guión y el personaje a los directores y guionistas. Le dijo a Bryan Forbes en 1967: "Recuerdo que discutí con un actor de método cómo le enseñaron y demás. Él dijo: 'Nos enseñan usando la improvisación. Se nos da una idea y luego se nos suelta para desarrollarnos de cualquier manera' '. queremos.' Dije: "Eso no es actuar. Eso es escribir". "

Recordando sus experiencias en Lifeboat for Charles Chandler, autor de It's Only a Movie: Alfred Hitchcock A Personal Biography, Walter Slezak dijo que Hitchcock "sabía más sobre cómo ayudar a un actor que cualquier director con el que haya trabajado", y Hume Cronyn descartó la idea de que Hitchcock no estaba preocupado por sus actores como "absolutamente falaz", describiendo extensamente el proceso de ensayo y filmación de Lifeboat.

Los críticos observaron que, a pesar de su reputación de hombre al que no le gustaban los actores, los actores que trabajaban con él a menudo ofrecían actuaciones brillantes. Usó los mismos actores en muchas de sus películas; Cary Grant y James Stewart trabajaron con Hitchcock cuatro veces e Ingrid Bergman y Grace Kelly tres. James Mason dijo que Hitchcock consideraba a los actores como "accesorios animados". Para Hitchcock, los actores eran parte del escenario de la película. Le dijo a François Truffaut: "El principal requisito de un actor es la capacidad de no hacer nada bien, lo cual no es tan fácil como parece. Debe estar dispuesto a que el director y la cámara lo utilicen y lo integren por completo en la imagen.. Debe permitir que la cámara determine el énfasis adecuado y los reflejos dramáticos más efectivos ".

Redacción, guiones gráficos y producción.

Hitchcock planeó sus guiones en detalle con sus escritores. En Escribiendo con Hitchcock (2001), Steven DeRosa señaló que Hitchcock los supervisaba en cada borrador, pidiéndoles que contaran la historia visualmente. Hitchcock le dijo a Roger Ebert en 1969:

Una vez que el guión esté terminado, preferiría no hacer la película en absoluto. Se acabó toda la diversión. Tengo una mente fuertemente visual. Visualizo una imagen hasta los cortes finales. Escribo todo esto con el mayor detalle en el guión, y luego no miro el guión mientras estoy filmando. Lo sé de memoria, al igual que un director de orquesta no necesita mirar la partitura. Es melancólico hacer una foto. Cuando terminas el guión, la película es perfecta. Pero al filmarlo pierdes quizás el 40 por ciento de tu concepción original.

Las películas de Hitchcock fueron elaboradas con un guión gráfico exhaustivo hasta el más mínimo detalle. Se informó que ni siquiera se había molestado en mirar por el visor, ya que no era necesario, aunque en las fotos publicitarias se le mostró haciéndolo. También usó esto como una excusa para nunca tener que cambiar sus películas desde su visión inicial. Si un estudio le pidiera que cambiara una película, diría que ya se rodó de una sola manera y que no había alternativas a considerar.

Hitchcock en Mount Rushmore filmando North by Northwest (1959)

Bill Krohn, corresponsal estadounidense de la revista de cine francesa Cahiers du cinéma, ha desafiado esta visión de Hitchcock como un director que se basaba más en la preproducción que en la propia producción en su libro Hitchcock at Work. Después de investigar las revisiones del guión, las notas para otro personal de producción escritas por o para Hitchcock, y otro material de producción, Krohn observó que el trabajo de Hitchcock a menudo se desviaba de cómo se escribió el guión o cómo se concibió originalmente la película. Señaló que el mito de los guiones gráficos en relación con Hitchcock, a menudo regurgitado por generaciones de comentaristas de sus películas, fue perpetuado en gran medida por el propio Hitchcock o el brazo publicitario de los estudios. Por ejemplo, la famosa secuencia de fumigación de cultivos de North by Northwest no se incluyó en un guión gráfico. Después de que se filmó la escena, el departamento de publicidad le pidió a Hitchcock que hiciera guiones gráficos para promover la película, y Hitchcock, a su vez, contrató a un artista para que hiciera coincidir las escenas en detalle.

Incluso cuando se hicieron guiones gráficos, las escenas que se filmaron diferían significativamente de ellos. El análisis de Krohn de la producción de clásicos de Hitchcock como Notorious revela que Hitchcock fue lo suficientemente flexible como para cambiar la concepción de una película durante su producción. Otro ejemplo que señala Krohn es el remake estadounidense de The Man Who Knew Too Much, cuyo programa de rodaje comenzó sin un guión terminado y, además, superó el programa, algo que, como señala Krohn, no era algo infrecuente en muchas de las películas de Hitchcock, incluida Strangers. en un tren y topacio. Si bien Hitchcock hizo una gran preparación para todas sus películas, era plenamente consciente de que el proceso real de realización de películas a menudo se desviaba de los planes mejor trazados y era flexible para adaptarse a los cambios y necesidades de producción, ya que sus películas no lo eran. libre de las molestias habituales y las rutinas habituales que se utilizan en muchas otras producciones cinematográficas.

Reproducir medios Entrevista de Hitchcock, alrededor de 1966

El trabajo de Krohn también arroja luz sobre la práctica de Hitchcock de filmar generalmente en orden cronológico, que señala que envió muchas películas por encima del presupuesto y el cronograma y, lo que es más importante, difería del procedimiento operativo estándar de Hollywood en la era de los sistemas de estudio. Igualmente importante es la tendencia de Hitchcock a realizar tomas alternativas de escenas. Esto difería de la cobertura en que las películas no fueron necesariamente filmadas desde diferentes ángulos para dar al editor opciones para dar forma a la película como eligieran (a menudo bajo la égida del productor). Más bien representaban la tendencia de Hitchcock a darse opciones en la sala de edición, donde brindaba consejos a sus editores después de ver un borrador del trabajo.

Según Krohn, esta y una gran cantidad de otra información revelada a través de su investigación de los documentos personales de Hitchcock, revisiones de guiones y cosas por el estilo refutan la noción de Hitchcock como un director que siempre tuvo el control de sus películas, cuya visión de sus películas no lo hizo. cambio durante la producción, que según Krohn se ha mantenido como el mito central de Alfred Hitchcock desde hace mucho tiempo. Tanto su meticulosidad como su atención al detalle también encontraron su camino en cada póster de sus películas. Hitchcock prefirió trabajar con el mejor talento de su época —diseñadores de carteles de películas como Bill Gold y Saul Bass—, quienes producirían carteles que representaran con precisión sus películas.

Legado

Premios y honores

Ver también: Lista de premios y nominaciones recibidos por Alfred Hitchcock Una de las estrellas de Hitchcock en el Paseo de la Fama de Hollywood

Hitchcock fue incluido en el Paseo de la Fama de Hollywood el 8 de febrero de 1960 con dos estrellas: una para televisión y una segunda para sus películas. En 1978, John Russell Taylor lo describió como "la persona más universalmente reconocible en el mundo" y "un inglés de clase media sencillo que resultó ser un genio artístico". En 2002, MovieMaker lo nombró el director más influyente de todos los tiempos, y una encuesta de críticos de The Daily Telegraph en 2007 lo clasificó como el mejor director de Gran Bretaña. David Gritten, el crítico de cine del periódico, escribió: "Indiscutiblemente el mejor cineasta que surgió de estas islas, Hitchcock hizo más que cualquier director para dar forma al cine moderno, que sería completamente diferente sin él. Su talento era para la narrativa, reteniendo cruelmente información crucial (de sus personajes y de nosotros) y atrayendo las emociones de la audiencia como nadie más ". En 1992, la encuesta de Sight amp; Sound Critics 'colocó a Hitchcock en el número 4 de su lista de los "10 directores principales" de todos los tiempos. En 2002, Hitchcock ocupó el segundo lugar en la encuesta de los diez mejores de la crítica y el quinto en la encuesta de los diez mejores directores en la lista de los mejores directores de todos los tiempos compilada por la revista Sight amp; Sound. Hitchcock fue votado como el "Mejor director del siglo XX" en una encuesta realizada por la revista de cine japonesa kinema Junpo. En 1996, Entertainment Weekly clasificó a Hitchcock en el número 1 de su lista de los "50 mejores directores". Hitchcock ocupó el puesto número 2 en la lista de los "40 mejores directores de todos los tiempos" de la revista Empire en 2005. En 2007, la revista Total Film clasificó a Hitchcock en el puesto número 1 de su lista de los "100 directores de cine más grandes de la historia".

Una placa azul de herencia inglesa marca el lugar donde vivió Hitchcock en 153 Cromwell Road, Kensington, Londres.

Ganó dos Globos de Oro, ocho premios Laurel y cinco premios a su trayectoria, incluido el primer premio BAFTA Academy Fellowship y, en 1979, un premio AFI Life Achievement Award. Fue nominado cinco veces a un premio de la Academia al Mejor Director. Rebecca, nominada a 11 premios Oscar, ganó el Oscar a la Mejor Película de 1940 ; otra película de Hitchcock, Foreign Correspondent, también fue nominada ese año. Para 2018, ocho de sus películas habían sido seleccionadas para su conservación por el Registro Nacional de Cine de EE. UU.: Rebecca (1940; ingresada en 2018), Shadow of a Doubt (1943; ingresada en 1991), Notorious (1946; ingresada en 2006), Rear Window (1954) ; admitido en 1997), Vértigo (1958; incluido en 1989), North by Northwest (1959; incluido en 1995), Psycho (1960; incluido en 1992) y The Birds (1963; incluido en 2016).

En 2012, Hitchcock fue seleccionado por el artista Sir Peter Blake, autor de Sgt. De los Beatles . La portada del álbum de Pepper's Lonely Hearts Club Band, que aparecerá en una nueva versión de la portada, junto con otras figuras culturales británicas, y ese año apareció en una serie de BBC Radio 4, The New Elizabethans, como alguien "cuyas acciones durante el reinado de Isabel II han tenido un impacto significativo en la vida de estas islas y dada la edad su carácter ”. En junio de 2013, nueve versiones restauradas de las primeras películas mudas de Hitchcock, entre ellas The Pleasure Garden (1925), se proyectaron en el Teatro Harvey de la Academia de Música de Brooklyn ; conocido como "The Hitchcock 9", el homenaje itinerante fue organizado por el British Film Institute.

Archivo

La Colección Alfred Hitchcock se encuentra en el Archivo de Cine de la Academia en Hollywood, California. Incluye películas caseras, película de 16 mm filmada en el set de Blackmail (1929) y Frenzy (1972), y las primeras imágenes en color conocidas de Hitchcock. El Archivo de Cine de la Academia ha conservado muchas de sus películas caseras. Los Papeles de Alfred Hitchcock se encuentran en la Biblioteca Margaret Herrick de la Academia. Las colecciones de David O.Selznick y Ernest Lehman que se encuentran en el Centro de Investigación de Humanidades Harry Ransom en Austin, Texas, contienen material relacionado con el trabajo de Hitchcock en la producción de The Paradine Case, Rebecca, Spellbound, North by Northwest y Family Plot.

Representaciones de Hitchcock

• Anthony Hopkins en Hitchcock (2012)
• Toby Jones en La chica (2012)
• Roger Ashton-Griffiths en Grace of Monaco (2014)

Filmografia

Película (s

Artículo principal: Filmografía de Alfred Hitchcock

Películas mudas

• Siempre dile a tu esposa (breve) (1923)
• El jardín del placer (1925)
• The Mountain Eagle (1926) ( perdido )
• El inquilino: una historia de la niebla de Londres (1927)
• El anillo (1927)
• Cuesta abajo (1927)
• La esposa del granjero (1928)
• Virtud fácil (1928)
• Champaña (1928)
• El hombre de Man (1929)

Películas sonoras

• Chantaje (1929)
• Juno y el Paycock (1930)
• ¡Asesinato! (1930)
• Elstree Calling (1930)
• El juego de la piel (1931)
• María (1931)
• Rico y extraño (1931)
• Número diecisiete (1932)
• Vals de Viena (1934)
• El hombre que sabía demasiado (1934)
• Los 39 pasos (1935)
• Agente secreto (1936)
• Sabotaje (1936)
• Joven e inocente (1937)
• La dama desaparece (1938)
• Jamaica Inn (1939)
• Rebecca (1940)
• Corresponsal extranjero (1940)
• Sr. y Sra. Smith (1941)
• Sospecha (1941)
• Saboteador (1942)
• La sombra de una duda (1943)
• Bote salvavidas (1944)
• Hechizado (1945)
• Notorio (1946)
• El caso Paradine (1947)
• Cuerda (1948)
• Bajo Capricornio (1949)
• Miedo escénico (1950)
• Extraños en un tren (1951)
• Confieso (1953)
• Dial M para asesinato (1954)
• Ventana trasera (1954)
• Atrapar a un ladrón (1955)
• El problema con Harry (1955)
• El hombre que sabía demasiado (1956)
• El hombre equivocado (1956)
• Vértigo (1958)
• Norte por noroeste (1959)
• Psicosis (1960)
• Los pájaros (1963)
• Marnie (1964)
• Cortina rasgada (1966)
• Topacio (1969)
• Frenesí (1972)
• Parcela familiar (1976)

Ver también

• Proyectos no realizados de Alfred Hitchcock
• Lista de apariciones cameo de Alfred Hitchcock
• Lista de colaboraciones entre directores y actores de cine

Notas y fuentes

Notas

Referencias

Trabajos citados

Biografías (cronológicas)

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Otras lecturas

Artículos

• Estilo de Hitchcock archivado 21 de noviembre de 2005 en la Wayback Machine en el BFI 's Screenonline
• Hellman, Geoffrey T. (20 de noviembre de 1939). "Alfred Hitchcock: el director más grande y mejor de Inglaterra va a Hollywood". Vida. págs.  33–34, 36, 38–40, 43.
• Adams, Marjory (1 de junio de 1958). "Alfred Hitchcock ahora dice que los actores son niños, no ganado". Boston Globe. pag.  A11.
• " ' Twas Alfred Hitchcock semana en Londres". Variedad. 17 de agosto de 1966. p.  16.

Libros

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• Walker, Michael (2005). Motivos de Hitchcock. Ámsterdam: Amsterdam University Press. doi : 10.25969 / mediarep / 4105. ISBN   9789053567739.
• White, Edward (2021). Las doce vidas de Alfred Hitchcock. Nueva York: WW Norton. ISBN   978-1-324-00239-0.
• White, Susan (2015). "Alfred Hitchcock y la teoría del cine feminista (una vez más)". En Freedman, Jonathan (ed.). El compañero de Cambridge de Alfred Hitchcock. Nueva York: Cambridge University Press. págs. 109-126.
• Wolcott, James (1 de abril de 1999). "La muerte y el maestro". Vanity Fair (464): 136. Archivado desde el original el 28 de noviembre de 2010.
• Slavoj Žižek et al.: Todo lo que siempre quiso saber sobre Lacan pero tenía miedo de preguntarle a Hitchcock, Londres y Nueva York, Verso, segunda edición 2010

enlaces externos

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• Alfred Hitchcock en IMDb  
• Alfred Hitchcock en AllMovie
• Alfred Hitchcock en el BFI 's Screenonline
• Alfred Hitchcock en el British Film Institute
• Alfred Hitchcock en TCM Movie Database
• Hablando de Alfred Hitchcock en Las entrevistas: una historia oral de la televisión

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