Arnold Schoenberg

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Schoenberg en Los Ángeles, c. 1948

Arnold Schoenberg o Schönberg ( / ʃ ɜr n b ɜr ɡ /, Estados Unidos también / ʃ oʊ n - / ; alemán: [ʃøːnbɛɐ̯k] ( escuchar ) ; 13 septiembre 1874 a 13 julio 1951) fue un compositor nacido en Austria, música teórico, maestro, escritor y pintor. Se le considera uno de los compositores más influyentes del siglo XX. Estuvo asociado con el movimiento expresionista de la poesía y el arte alemanes y fue líder de la Segunda Escuela de Viena. Como compositor judío, Schoenberg fue atacado por el Partido Nazi, que etiquetó sus obras como música degenerada y prohibió su publicación. Emigró a los Estados Unidos en 1933, convirtiéndose en ciudadano estadounidense en 1941.

El enfoque de Schoenberg, tanto en términos de armonía como de desarrollo, ha dado forma a gran parte del pensamiento musical del siglo XX. Muchos compositores de al menos tres generaciones han ampliado conscientemente su pensamiento, mientras que otros han reaccionado apasionadamente contra él.

Schoenberg fue conocido al principio de su carrera por extender simultáneamente los estilos románticos alemanes tradicionalmente opuestos de Brahms y Wagner. Más tarde, su nombre llegaría a personificar las innovaciones en la atonalidad (aunque el propio Schoenberg detestaba ese término) que se convertiría en el rasgo más polémico de la música clásica del siglo XX. En la década de 1920, Schoenberg desarrolló la técnica de los doce tonos, un método compositivo influyente para manipular una serie ordenada de las doce notas en la escala cromática. También acuñó el término desarrollo de variación y fue el primer compositor moderno en adoptar formas de desarrollar motivos sin recurrir al dominio de una idea melódica centralizada.

Schoenberg también fue un influyente profesor de composición; sus estudiantes incluyeron a Alban Berg, Anton Webern, Hanns Eisler, Egon Wellesz, Nikos Skalkottas, Stefania Turkewich y más tarde John Cage, Lou Harrison, Earl Kim, Robert Gerhard, Leon Kirchner, Dika Newlin, Oscar Levant y otros músicos destacados. Muchas de las prácticas de Schoenberg, incluida la formalización del método compositivo y su hábito de invitar abiertamente al público a pensar analíticamente, tienen eco en el pensamiento musical de vanguardia a lo largo del siglo XX. Sus opiniones a menudo polémicas sobre la historia y la estética de la música fueron cruciales para muchos musicólogos y críticos importantes del siglo XX, incluidos Theodor W. Adorno, Charles Rosen y Carl Dahlhaus, así como para los pianistas Artur Schnabel, Rudolf Serkin, Eduard Steuermann y Glenn. Gould.

El legado de archivo de Schoenberg se recopila en el Centro Arnold Schönberg de Viena.

• 1 biografía
  • 1.1 Vida temprana
  • 1.2 1901-1914: experimentar con la atonalidad
  • 1.3 Primera Guerra Mundial
  • 1.4 Desarrollo del método de doce tonos
  • 1.5 Tercer Reich y mudanza a Estados Unidos
  • 1.6 Superstición y muerte
• 2 Música
  • 2.1 Primer período: romanticismo tardío
  • 2.2 Segundo período: atonalidad libre
  • 2.3 Tercer período: obras tonales y de doce tonos
• 3 Recepción y legado
  • 3.1 Primeras obras
  • 3.2 Periodo de doce tonos
  • 3.3 Crítica
  • 3.4 Relación con el público en general
  • 3.5 La novela de Thomas Mann, Doctor Faustus
• 4 Personalidad e intereses extramusicales
• 5 libros de texto
• 6 escritos
• 7 Véase también
• 8 referencias
• 9 Fuentes
• 10 Lecturas adicionales
• 11 Enlaces externos

Biografía

Vida temprana

Arnold Schönberg en Payerbach, 1903

Arnold Schoenberg nació en una familia judía de clase media baja en el distrito de Leopoldstadt (en tiempos anteriores un gueto judío) de Viena, en "Obere Donaustraße 5". Su padre Samuel, natural de Szécsény, Hungría, se trasladó más tarde a Pozsony (Pressburg, en ese momento parte del Reino de Hungría, ahora Bratislava, Eslovaquia) y luego a Viena, era zapatero, y su madre Pauline Schoenberg ( née Nachod), oriundo de Praga, fue profesor de piano. Arnold fue en gran parte autodidacta. Solo tomó lecciones de contrapunto con el compositor Alexander Zemlinsky, quien se convertiría en su primer cuñado.

A los veinte años, Schoenberg se ganaba la vida orquestando operetas, mientras componía sus propias obras, como el sexteto de cuerdas Verklärte Nacht ("Noche transfigurada") (1899). Posteriormente realizó una versión orquestal de esta, que se convirtió en una de sus piezas más populares. Tanto Richard Strauss como Gustav Mahler reconocieron la importancia de Schoenberg como compositor; Strauss cuando se encontró con Gurre-Lieder de Schoenberg, y Mahler después de escuchar varias de las primeras obras de Schoenberg.

Strauss recurrió a un idioma más conservador en su propio trabajo después de 1909, y en ese momento despidió a Schoenberg. Mahler lo adoptó como un protegido y continuó apoyándolo, incluso después de que el estilo de Schoenberg alcanzara un punto que Mahler ya no podía entender. A Mahler le preocupaba quién lo cuidaría después de su muerte. Schoenberg, que inicialmente había despreciado y burlado la música de Mahler, fue convertido por el "rayo" de la Tercera Sinfonía de Mahler, que consideraba una obra de genio. Después "habló de Mahler como un santo".

En 1898 Schoenberg se convirtió al cristianismo en la iglesia luterana. Según MacDonald (2008, 93), esto fue en parte para fortalecer su apego a las tradiciones culturales de Europa occidental, y en parte como un medio de autodefensa "en una época de resurgimiento del antisemitismo". En 1933, después de una larga meditación, regresó al judaísmo, porque se dio cuenta de que "su herencia racial y religiosa era ineludible", y asumió una posición inconfundible del lado opuesto al nazismo. Se identificaría a sí mismo como miembro de la religión judía más adelante en su vida.

1901-1914: experimentar con la atonalidad

Familia Schönberg, una pintura de Richard Gerstl, 1907

En octubre de 1901, Schoenberg se casó con Mathilde Zemlinsky, la hermana del director y compositor Alexander von Zemlinsky, con quien Schoenberg había estado estudiando desde aproximadamente 1894. Schoenberg y Mathilde tuvieron dos hijos, Gertrud (1902-1947) y Georg (1906-1974).. Gertrud se casaría con el alumno de Schoenberg, Felix Greissle, en 1921.

Durante el verano de 1908, la esposa de Schoenberg, Mathilde, lo dejó durante varios meses por un joven pintor austríaco, Richard Gerstl (que se suicidó ese noviembre después de que Mathilde regresara a su matrimonio). Este período marcó un cambio distinto en el trabajo de Schoenberg. Fue durante la ausencia de su esposa que compuso "Te apoyas en un sauce plateado" (en alemán: Du lehnest wide eine Silberweide), la decimotercera canción del ciclo Das Buch der Hängenden Gärten, op. 15, basada en la colección homónima del poeta místico alemán Stefan George. Esta fue la primera composición sin ninguna referencia a una clave.

También en este año, Schoenberg completó una de sus composiciones más revolucionarias, el Cuarteto de cuerda No. 2. Los dos primeros movimientos, aunque cromáticos en color, utilizan firmas de teclas tradicionales. Los dos últimos movimientos, nuevamente usando poesía de George, incorporan una línea vocal de soprano, rompiendo con la práctica previa del cuarteto de cuerdas, y debilitan audazmente los vínculos con la tonalidad tradicional. Ambos movimientos terminan en acordes tónicos y el trabajo no es completamente atonal.

Durante el verano de 1910, Schoenberg escribió su Harmonielehre ( Teoría de la armonía, Schoenberg 1922), que sigue siendo uno de los libros de teoría musical más influyentes. Desde aproximadamente 1911, Schoenberg perteneció a un círculo de artistas e intelectuales que incluía a Lene Schneider-Kainer, Franz Werfel, Herwarth Walden y Else Lasker-Schüler.

En 1910 conoció a Edward Clark, un periodista musical inglés que entonces trabajaba en Alemania. Clark se convirtió en su único estudiante de inglés y, posteriormente, como productor de la BBC, fue responsable de presentar muchas de las obras de Schoenberg y del propio Schoenberg en Gran Bretaña (así como a Webern, Berg y otros).

Otra de sus obras más importantes de este período atonal o pantonal es la influyente Pierrot lunaire, Op. 21, de 1912, un ciclo novedoso de canciones expresionistas ambientado en una traducción al alemán de poemas del poeta belga-francés Albert Giraud. Utilizando la técnica de Sprechstimme, o recitación hablada melodramáticamente, el trabajo empareja a una vocalista con un pequeño conjunto de cinco músicos. El conjunto, que ahora se conoce comúnmente como el conjunto Pierrot, consta de flauta (doblando en flautín ), clarinete (doblando en clarinete bajo ), violín (doblando en viola ), violoncello, altavoz y piano.

Wilhelm Bopp, director del Conservatorio de Viena desde 1907, quería un descanso del ambiente rancio personificado para él por Robert Fuchs y Hermann Graedener. Habiendo considerado muchos candidatos, ofreció puestos de profesor a Schoenberg y Franz Schreker en 1912. En ese momento, Schoenberg vivía en Berlín. No estaba completamente aislado del Conservatorio de Viena, habiendo impartido un curso teórico privado un año antes. Consideró seriamente la oferta, pero la rechazó. Escribiendo después a Alban Berg, citó su "aversión a Viena" como la principal razón de su decisión, mientras contemplaba que podría haber sido la equivocada financieramente, pero habiéndola tomado se sintió satisfecho. Un par de meses después, le escribió a Schreker sugiriéndole que también podría haber sido una mala idea para él aceptar el puesto de profesor.

Primera Guerra Mundial

Arnold Schoenberg por Egon Schiele, 1917

La Primera Guerra Mundial trajo una crisis en su desarrollo. El servicio militar interrumpió su vida cuando a la edad de 42 años estuvo en el ejército. Nunca pudo trabajar ininterrumpidamente o durante un período de tiempo, y como resultado dejó muchas obras sin terminar y "comienzos" sin desarrollar. En una ocasión, un oficial superior exigió saber si él era "este notorio Schoenberg, entonces"; Schoenberg respondió: "Le ruego que me informe, señor, sí. Nadie quería ser, alguien tenía que serlo, así que dejé que fuera yo". Según Norman, esta es una referencia al aparente "destino" de Schoenberg como el "emancipador de la disonancia".

En lo que Alex Ross llama un "acto de psicosis de guerra", Schoenberg hizo comparaciones entre el asalto de Alemania a Francia y su asalto a los valores artísticos burgueses decadentes. En agosto de 1914, mientras denunciaba la música de Bizet, Stravinsky y Ravel, escribió: "¡Ahora viene el ajuste de cuentas! Ahora arrojaremos a estos mediocres kitschmongers a la esclavitud, y les enseñaremos a venerar el espíritu alemán y a adorar al Dios alemán"..

El deterioro de la relación entre los compositores contemporáneos y el público lo llevó a fundar la Sociedad de Interpretaciones Musicales Privadas ( Verein für musikalische Privataufführungen en alemán) en Viena en 1918. Buscó proporcionar un foro en el que las composiciones musicales modernas pudieran prepararse y ensayarse cuidadosamente, y realizado correctamente en condiciones protegidas de los dictados de la moda y las presiones del comercio. Desde sus inicios hasta 1921, cuando terminó por razones económicas, la Sociedad presentó 353 representaciones a miembros pagados, a veces a razón de una por semana. Durante el primer año y medio, Schoenberg no permitió que se representara ninguna de sus propias obras. En cambio, el público de los conciertos de la Sociedad escuchó difíciles composiciones contemporáneas de Scriabin, Debussy, Mahler, Webern, Berg, Reger y otras figuras destacadas de la música de principios del siglo XX.

Desarrollo del método de doce tonos

Arnold Schoenberg, 1927, de Man Ray

Más tarde, Schoenberg desarrollaría la versión más influyente del método de composición dodecafónico (también conocido como doce tonos ), que en francés e inglés recibió el nombre alternativo de serialismo por René Leibowitz y Humphrey Searle en 1947. Esta técnica fue retomada por muchos de sus alumnos, quienes constituyeron la llamada Segunda Escuela Viena. Entre ellos estaban Anton Webern, Alban Berg y Hanns Eisler, todos ellos profundamente influenciados por Schoenberg. Publicó varios libros, que van desde su famoso Harmonielehre ( Teoría de la armonía) hasta Fundamentals of Musical Composition, muchos de los cuales todavía están impresos y utilizados por músicos y compositores en desarrollo.

Schoenberg vio su desarrollo como una progresión natural, y no despreció sus trabajos anteriores cuando se aventuró en el serialismo. En 1923 le escribió al filántropo suizo Werner Reinhart :

Por el momento, me importa más si la gente entiende mis obras más antiguas... Son los precursores naturales de mis obras posteriores, y solo aquellos que las entiendan y comprendan podrán obtener una comprensión de las obras posteriores que van más allá. un mínimo de moda. ¡No le doy tanta importancia a ser un fantasma musical como a ser un continuador natural de la vieja tradición bien entendida!

Su primera esposa murió en octubre de 1923, y en agosto del año siguiente Schoenberg se casó con Gertrud Kolisch (1898-1967), hermana de su alumno, el violinista Rudolf Kolisch. Tuvieron tres hijos: Nuria Dorothea (nacido en 1932), Ronald Rudolf (nacido en 1937) y Lawrence Adam (nacido en 1941). Gertrude Kolisch Schoenberg escribió el libreto de la ópera en un acto de Schoenberg Von heute auf morgen bajo el seudónimo de Max Blonda. A petición suya, la pieza de Schoenberg (finalmente inacabada), Die Jakobsleiter fue preparada para la interpretación por el estudiante de Schoenberg, Winfried Zillig. Tras la muerte de su marido en 1951 fundó Belmont Music Publishers dedicada a la publicación de sus obras. Arnold usó las notas G y E ♭ (alemán: Es, es decir, "S") para "Gertrud Schoenberg", en la Suite, para septeto, op. 29 (1925). (ver criptograma musical ).

Tras la muerte en 1924 del compositor Ferruccio Busoni, quien se había desempeñado como director de una clase magistral de composición en la Academia de las Artes de Prusia en Berlín, Schoenberg fue nombrado para este puesto al año siguiente, pero debido a problemas de salud no pudo asumir el cargo. su cargo hasta 1926. Entre sus estudiantes notables durante este período se encontraban los compositores Robert Gerhard, Nikos Skalkottas y Josef Rufer.

Junto con sus obras de doce tonos, 1930 marca el regreso de Schoenberg a la tonalidad, con los números 4 y 6 de las Seis Piezas para Coro Masculino Op. 35, siendo las otras piezas dodecafónicas.

Tercer Reich y mudarse a Estados Unidos

Schoenberg continuó en su cargo hasta que los nazis llegaron al poder en 1933. Mientras estaba de vacaciones en Francia, se le advirtió que regresar a Alemania sería peligroso. Schoenberg reclamó formalmente la membresía en la religión judía en una sinagoga de París, luego viajó con su familia a los Estados Unidos. Sin embargo, esto sucedió solo después de que sus intentos de mudarse a Gran Bretaña fracasaron. Consiguió la ayuda de su antiguo alumno y gran campeón Edward Clark, un productor senior de la BBC, para que le ayudara a conseguir un puesto de profesor británico o incluso un editor británico, pero fue en vano.

Su primer puesto de profesor en los Estados Unidos fue en el Conservatorio Malkin de Boston. Se mudó a Los Ángeles, donde enseñó en la Universidad del Sur de California y la Universidad de California en Los Ángeles, las cuales más tarde nombraron un edificio de música en sus respectivos campus Schoenberg Hall. Fue nombrado profesor invitado en UCLA en 1935 por recomendación de Otto Klemperer, director musical y director de la Orquesta Filarmónica de Los Ángeles; y al año siguiente fue ascendido a profesor con un salario de $ 5,100 por año, lo que le permitió en mayo de 1936 o 1937 comprar una casa del Renacimiento español en 116 North Rockingham en Brentwood Park, cerca del campus de UCLA, por $ 18,000. Esta dirección estaba directamente al otro lado de la calle de la casa de Shirley Temple, y allí se hizo amigo del compositor (y compañero de tenis) George Gershwin. Los Schoenberg pudieron emplear ayuda doméstica y comenzaron a celebrar reuniones los domingos por la tarde que eran conocidas por su excelente café y pasteles vieneses. Entre los invitados frecuentes se encontraban Otto Klemperer (que estudió composición en privado con Schoenberg a partir de abril de 1936), Edgard Varèse, Joseph Achron, Louis Gruenberg, Ernst Toch y, en ocasiones, actores conocidos como Harpo Marx y Peter Lorre. Los compositores Leonard Rosenman y George Tremblay y el orquestador de Hollywood Edward B. Powell estudiaron con Schoenberg en ese momento.

Después de su traslado a los Estados Unidos, donde llegó el 31 de octubre de 1933, el compositor utilizó la ortografía alternativa de su apellido Schoenberg, en lugar de Schönberg, en lo que llamó "deferencia a la práctica estadounidense", aunque según un escritor que primero hizo el cambio un año antes.

Vivió allí el resto de su vida, pero al principio no estaba asentado. Alrededor de 1934, solicitó un puesto de profesor de armonía y teoría en el Conservatorio del Estado de Nueva Gales del Sur en Sydney. El director, Edgar Bainton, lo rechazó por ser judío y por tener "ideas modernistas y tendencias peligrosas". Schoenberg también exploró en un momento la idea de emigrar a Nueva Zelanda. Su secretario y alumno (y sobrino de la suegra de Schoenberg, Henriette Kolisch), era Richard Hoffmann, nacido en Viena pero que vivió en Nueva Zelanda en 1935-1947, y Schoenberg había estado fascinado desde la infancia con las islas y con Nueva Zelanda. en particular, posiblemente por la belleza de los sellos postales emitidos por ese país.

Levantamiento del gueto de Varsovia. En 1947, Schoenberg escribió Un superviviente de Varsovia en conmemoración de este evento.

Durante este período final, compuso varias obras notables, incluido el difícil Concierto para violín, Op. 36 (1934/36), Kol Nidre, op. 39, para coro y orquesta (1938), la Oda a Napoleón Buonaparte, op. 41 (1942), el inquietante Concierto para piano, op. 42 (1942), y su memorial a las víctimas del Holocausto, Un superviviente de Varsovia, op. 46 (1947). No pudo completar su ópera Moses und Aron (1932/33), que fue una de las primeras obras de su género escritas íntegramente en composición dodecafónica. Junto con la música dodecafónica, Schoenberg también regresó a la tonalidad con obras durante su último período, al igual que la suite para cuerdas en sol mayor (1935), la Cámara Sinfonía nº 2 en Mi ♭ menor, op. 38 (comenzada en 1906, terminada en 1939), las Variaciones sobre un recitativo en re menor, op. 40 (1941). Durante este período, sus estudiantes notables incluyeron a John Cage y Lou Harrison.

En 1941, se convirtió en ciudadano de los Estados Unidos. Aquí fue el primer compositor residente en el conservatorio de verano de la Academia de Música del Oeste.

Superstición y muerte

La tumba de Schoenberg en el Zentralfriedhof, Viena

La naturaleza supersticiosa de Schoenberg pudo haber provocado su muerte. El compositor tenía triskaidekaphobia (el miedo al número 13), y según su amiga Katia Mann, temía morir durante un año que era múltiplo de 13. Esto posiblemente comenzó en 1908 con la composición de la decimotercera canción de la canción. ciclo Das Buch der Hängenden Gärten Op. 15. Temía tanto su sexagésimo quinto cumpleaños en 1939 que un amigo le pidió al compositor y astrólogo Dane Rudhyar que preparara el horóscopo de Schoenberg. Rudhyar hizo esto y le dijo a Schoenberg que el año era peligroso, pero no fatal.

Pero en 1950, en su cumpleaños 76, un astrólogo le escribió a Schoenberg una nota advirtiéndole que el año era crítico: 7 + 6 = 13. Esto asombró y deprimió al compositor, ya que hasta ese momento solo había sido cauteloso con los múltiplos. de 13 y nunca consideró sumar los dígitos de su edad. Murió el viernes 13 de julio de 1951, poco antes de la medianoche. Schoenberg se había quedado en cama todo el día, enfermo, ansioso y deprimido. Su esposa Gertrud informó en un telegrama a su cuñada Ottilie al día siguiente que Arnold murió a las 11:45 pm, 15 minutos antes de la medianoche. En una carta a Ottilie fechada el 4 de agosto de 1951, Gertrud explicó: "Alrededor de las doce menos cuarto miré el reloj y me dije: otro cuarto de hora y luego lo peor ha pasado. Entonces el médico me llamó. A Arnold se le hizo un nudo en la garganta. dos veces, su corazón dio un fuerte latido y ese fue el final ".

Las cenizas de Schoenberg fueron enterradas más tarde en el Zentralfriedhof de Viena el 6 de junio de 1974.

Música

Véase también: Lista de composiciones de Arnold Schoenberg

	Segundo Cuarteto de Cuerda, cuarto movimiento Interpretado por el Carmel Quartet con la soprano Rona Israel-Kolatt, en 2007
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En Variaciones para orquesta de Schoenberg, op. 31, la segunda mitad de la fila de tonos de P1 tiene las mismas notas, en un orden diferente, que la primera mitad de I10: "Por lo tanto, es posible emplear P1 e I10 simultáneamente y en movimiento paralelo sin causar duplicación de notas". Con la combinatoria hexacordal entre sus formas primarias, P1 e I6, la pieza para piano de Schoenberg, op. 33a, la fila de tonos contiene tres quintos perfectos, que es la relación entre P1 e I6, y una fuente de contraste entre "acumulaciones de quintos" y "simultaneidad generalmente más compleja". Por ejemplo, el grupo A consta de B ♭ -FCB ♮, mientras que el grupo B "más mezclado" consta de AF ♯ -C ♯ -D ♯

Las importantes composiciones de Schoenberg en el repertorio de la música de arte moderno se extienden por un período de más de 50 años. Tradicionalmente se dividen en tres períodos, aunque esta división es posiblemente arbitraria, ya que la música en cada uno de estos períodos es considerablemente variada. La idea de que su período de doce tonos "representa un cuerpo de obras estilísticamente unificado simplemente no está respaldada por la evidencia musical", y las características musicales importantes —especialmente las relacionadas con el desarrollo motívico— trascienden estos límites por completo. El primero de estos períodos, 1894-1907, se identifica en el legado de los compositores del alto romanticismo de finales del siglo XIX, así como con los movimientos "expresionistas" de la poesía y el arte. El segundo, 1908-1922, se caracteriza por el abandono de centros clave, un movimiento que a menudo se describe (aunque no por Schoenberg) como "atonalidad libre". El tercero, a partir de 1923, comienza con la invención de Schoenberg del método compositivo dodecafónico o "de doce tonos". Los estudiantes más conocidos de Schoenberg, Hanns Eisler, Alban Berg y Anton Webern, siguieron fielmente a Schoenberg a través de cada una de estas transiciones intelectuales y estéticas, aunque no sin una considerable experimentación y variedad de enfoques.

Primer período: romanticismo tardío

Comenzando con canciones y cuartetos de cuerda escritos alrededor del cambio de siglo, las preocupaciones de Schoenberg como compositor lo posicionaron de manera única entre sus pares, ya que sus procedimientos exhibían características tanto de Brahms como de Wagner, quienes para la mayoría de los oyentes contemporáneos, eran considerados polos opuestos, representando direcciones mutuamente excluyentes en el legado de la música alemana. Seis canciones de Schoenberg, op. 3 (1899-1903), por ejemplo, exhibe una claridad conservadora de organización tonal típica de Brahms y Mahler, lo que refleja un interés en frases equilibradas y una jerarquía inalterada de relaciones clave. Sin embargo, las canciones también exploran un cromatismo incidental inusualmente audaz y parecen aspirar a un enfoque "representacional" wagneriano de la identidad motivadora. La síntesis de estos enfoques alcanza un ápice en su Verklärte Nacht, Op. 4 (1899), una obra programática para sexteto de cuerdas que desarrolla varios temas distintivos similares a " leitmotiv ", cada uno eclipsando y subordinando al anterior. Los únicos elementos motivadores que persisten a lo largo de la obra son aquellos que se disuelven, varían y vuelven a combinar perpetuamente, en una técnica, identificada principalmente en la música de Brahms, que Schoenberg llamó " variación en desarrollo ". Los procedimientos de Schoenberg en el trabajo se organizan de dos maneras simultáneamente; sugiriendo a la vez una narrativa wagneriana de ideas motívicas, así como un enfoque brahmsiano del desarrollo motívico y la cohesión tonal.

Segundo período: atonalidad libre

La música de Schoenberg desde 1908 en adelante experimenta en una variedad de formas con la ausencia de claves tradicionales o centros tonales. Su primera pieza explícitamente atonal fue el segundo cuarteto de cuerda, Op. 10, con soprano. El último movimiento de esta pieza no tiene firma clave, lo que marca el divorcio formal de Schoenberg de las armonías diatónicas. Otras obras importantes de la época incluyen su ciclo de canciones Das Buch der Hängenden Gärten, Op. 15 (1908-1909), sus Cinco piezas orquestales, op. 16 (1909), el influyente Pierrot Lunaire, Op. 21 (1912), así como su dramática Erwartung, Op. 17 (1909). Sin embargo, la urgencia de las construcciones musicales que carecen de centros tonales o de las relaciones tradicionales de disonancia-consonancia se remonta a su Sinfonía de cámara n. ° 1, op. 9 (1906), una obra notable por su desarrollo tonal de armonía de tono completo y cuartal, y su inicio de relaciones de conjunto dinámicas e inusuales, que implican interrupciones dramáticas y lealtades instrumentales impredecibles; muchas de estas características tipificarían la estética de la música de cámara orientada al timbre del siglo venidero.

Tercer período: obras tonales y de doce tonos

A principios de la década de 1920, trabajó para desarrollar un medio de orden que hiciera su textura musical más simple y clara. Esto resultó en el "método de componer con doce tonos que están relacionados sólo entre sí", en el que los doce tonos de la octava (no realizados composicionalmente) se consideran iguales, y ninguna nota o tonalidad recibe el énfasis que ocupaba en armonía clásica. Lo consideró como el equivalente musical de los descubrimientos de Albert Einstein en física. Schoenberg lo anunció de manera característica, durante un paseo con su amigo Josef Rufer, cuando dijo: "He hecho un descubrimiento que asegurará la supremacía de la música alemana durante los próximos cien años". Este período incluyó las Variaciones para orquesta, op. 31 (1928); Piezas para piano, op. 33a amp; b (1931), y el Concierto para piano, Op. 42 (1942). Contrariamente a su reputación de rigor, el uso de la técnica por parte de Schoenberg varió ampliamente de acuerdo con las demandas de cada composición individual. Así, la estructura de su ópera inconclusa Moses und Aron es diferente a la de su Fantasía para violín y piano, op. 47 (1949).

Diez rasgos de la práctica madura de los doce tonos de Schoenberg son característicos, interdependientes e interactivos:

1. Hexachordal inversional combinatoriality
2. Agregados
3. Presentación de conjunto lineal
4. Fraccionamiento
5. Partición isomórfica
6. Invariantes
7. Niveles hexacordales
8. Armonía, "consistente y derivada de las propiedades del conjunto referencial"
9. Medidor, establecido a través de "características relacionales de tono"
10. Presentaciones de conjuntos multidimensionales

Recepción y legado

Retrato de Arnold Schoenberg por Richard Gerstl, alrededor de junio de 1905

Primeros trabajos

Después de algunas dificultades iniciales, Schoenberg comenzó a ganar la aceptación del público con obras como el poema tonal Pelleas und Melisande en una representación de Berlín en 1907. En el estreno de Viena del Gurre-Lieder en 1913, recibió una ovación que duró un cuarto de hora. hora y culminó con la presentación de Schoenberg con una corona de laurel.

No obstante, gran parte de su trabajo no fue bien recibido. Su Sinfonía de cámara n. ° 1 se estrenó de manera irreprensible en 1907. Sin embargo, cuando se volvió a tocar en el Skandalkonzert el 31 de marzo de 1913 (que también incluía obras de Berg, Webern y Zemlinsky ), "se podía escuchar el estridente sonido de las llaves de las puertas entre los aplausos violentos, y en la segunda galería comenzó la primera pelea de la noche ". Más tarde en el concierto, durante una actuación del Altenberg Lieder de Berg, estallaron peleas después de que Schoenberg interrumpió la actuación para amenazar con la expulsión por parte de la policía de los alborotadores.

Periodo de doce tonos

Según Ethan Haimo, la comprensión del trabajo en doce tonos de Schoenberg ha sido difícil de lograr debido en parte a la "naturaleza verdaderamente revolucionaria" de su nuevo sistema, información errónea diseminada por algunos de los primeros escritores sobre las "reglas" y "excepciones" del sistema que conllevan "poca relación con los rasgos más significativos de la música de Schoenberg", el secretismo del compositor y la falta de disponibilidad generalizada de sus bocetos y manuscritos hasta finales de la década de 1970. Durante su vida, fue "sometido a una serie de críticas y abusos que son impactantes incluso en retrospectiva".

Watschenkonzert, caricatura en Die Zeit del 6 de abril de 1913

Schoenberg criticó la nueva tendencia neoclásica de Igor Stravinsky en el poema "Der neue Klassizismus" (en el que deroga el neoclasicismo y se refiere indirectamente a Stravinsky como "Der kleine Modernsky"), que utilizó como texto para la tercera parte de su Drei Satiren, Op. 28.

La técnica de composición serial de Schoenberg con doce notas se convirtió en uno de los temas más centrales y polémicos entre los músicos estadounidenses y europeos durante la mitad del siglo XX. A partir de la década de 1940 y hasta la actualidad, compositores como Pierre Boulez, Karlheinz Stockhausen, Luigi Nono y Milton Babbitt han extendido el legado de Schoenberg en direcciones cada vez más radicales. Las principales ciudades de Estados Unidos (por ejemplo, Los Ángeles, Nueva York y Boston) han tenido interpretaciones históricamente significativas de la música de Schoenberg, con defensores como Babbitt en Nueva York y el director y pianista franco-estadounidense Jacques-Louis Monod. Los estudiantes de Schoenberg han sido profesores influyentes en las principales universidades estadounidenses: Leonard Stein en la USC, UCLA y CalArts ; Richard Hoffmann en Oberlin ; Patricia Carpenter de Columbia ; y Leon Kirchner y Earl Kim en Harvard. Los músicos asociados con Schoenberg han tenido una profunda influencia en la práctica de la interpretación musical contemporánea en los Estados Unidos (por ejemplo, Louis Krasner, Eugene Lehner y Rudolf Kolisch en el Conservatorio de Música de Nueva Inglaterra ; Eduard Steuermann y Felix Galimir en la Juilliard School ). En Europa, el trabajo de Hans Keller, Luigi Rognoni  [ it ] y René Leibowitz ha tenido una influencia medible en la difusión del legado musical de Schoenberg fuera de Alemania y Austria. Su alumno y asistente Max Deutsch, que luego se convirtió en profesor de música, también fue director. quien realizó una grabación de tres "obras maestras" de Schoenberg con la Orchestre de la Suisse Romande, lanzadas póstumamente a finales de 2013. Esta grabación incluye breves conferencias de Deutsch sobre cada una de las piezas.

Crítica

En la década de 1920, Ernst Krenek criticó cierto tipo de música contemporánea sin nombre (presumiblemente Schoenberg y sus discípulos) como "la autogratificación de un individuo que se sienta en su estudio e inventa reglas según las cuales luego escribe sus notas". Schoenberg se ofendió por este comentario y respondió que Krenek "desea sólo putas como oyentes".

Allen Shawn ha señalado que, dadas las circunstancias de vida de Schoenberg, su trabajo suele ser defendido en lugar de escuchado, y que es difícil experimentarlo al margen de la ideología que lo rodea. Richard Taruskin afirma que Schoenberg cometió lo que él llama una "falacia poiética", la convicción de que lo que más importa (o todo lo que importa) en una obra de arte es la creación de la misma, la entrada del creador, y que el placer del oyente no debe ser el objetivo principal del compositor. Taruskin también critica las ideas de medir el valor de Schoenberg como compositor en términos de su influencia sobre otros artistas, la sobrevaloración de la innovación técnica y la restricción de la crítica a cuestiones de estructura y artesanía, al tiempo que deroga otros enfoques como vulgares.

Relación con el público en general

Christopher Small escribió en 1977: "Muchos amantes de la música, incluso hoy, encuentran dificultades con la música de Schoenberg". Small escribió su breve biografía un cuarto de siglo después de la muerte del compositor. Según Nicholas Cook, escribiendo unos veinte años después de Small, Schoenberg había pensado que esta falta de comprensión

fue simplemente una fase pasajera, aunque inevitable: la historia de la música, dijeron, mostraba que el público siempre se resistía a lo desconocido, pero con el tiempo se acostumbró y aprendió a apreciarlo... El propio Schoenberg esperaba con ansias un momento en el que, como él dijo, los muchachos de los tenderos silbarían música en serie en sus rondas. Si Schoenberg realmente creyó lo que dijo (y es difícil estar seguro de esto), entonces representa uno de los momentos más conmovedores en la historia de la música. Porque el serialismo no alcanzó popularidad; el proceso de familiarización que él y sus contemporáneos esperaban nunca se produjo.

Ben Earle (2003) encontró que Schoenberg, aunque venerado por expertos y enseñado a "generaciones de estudiantes" en cursos de grado, seguía sin ser amado por el público. A pesar de más de cuarenta años de promoción y producción de "libros dedicados a la explicación de este difícil repertorio para un público no especializado", parecería que, en particular, "los intentos británicos de popularizar la música de este tipo... ahora pueden se dirá que ha fracasado ".

En su biografía de 2018 del compositor casi contemporáneo y pionero de Schoenberg, Debussy, Stephen Walsh discrepa de la idea de que no es posible "que un artista creativo sea tanto radical como popular". Walsh concluye, "Schoenberg puede ser el primer 'gran' compositor de la historia moderna cuya música no ha entrado en el repertorio casi un siglo y medio después de su nacimiento".

La novela de Thomas Mann, Doctor Faustus

Adrian Leverkühn, el protagonista de la novela Doctor Faustus (1947) de Thomas Mann, es un compositor cuyo uso de la técnica de doce tonos se asemeja a las innovaciones de Arnold Schoenberg. Schoenberg no estaba contento con esto e inició un intercambio de cartas con Mann después de la publicación de la novela.

Leverkühn, que puede estar basado en Nietzsche, vende su alma al diablo. El escritor Sean O'Brien comenta que "escrito a la sombra de Hitler, Doktor Faustus observa el ascenso del nazismo, pero su relación con la historia política es indirecta".

Personalidad e intereses extramusicales

Arnold Schoenberg, autorretrato, 1910

Schoenberg fue un pintor de considerable habilidad, cuyas obras se consideraron lo suficientemente buenas como para exhibirlas junto con las de Franz Marc y Wassily Kandinsky. como miembros del grupo expresionista Blue Rider.

Estaba interesado en las películas de Hopalong Cassidy, que Paul Buhle y David Wagner (2002, v – vii) atribuyen a los guionistas de izquierda de las películas, una afirmación bastante extraña a la luz de la afirmación de Schoenberg de que era un " burgués " convertido en monárquico.

Libros de texto

• 1922. Harmonielehre, tercera edición. Viena: Edición Universal. (Publicado originalmente en 1911).
• 1943. Modelos para principiantes en composición, Nueva York: G. Schirmer, Inc.
• 1954. Funciones estructurales de la armonía. Nueva York: WW Norton; Londres: Williams y Norgate. Edición revisada, Nueva York, Londres: WW Norton and Company 1969. ISBN   978-0-393-00478-6
• 1964. Ejercicios preliminares de contrapunto, editado con prólogo de Leonard Stein. Nueva York, St. Martin's Press. Reimpreso, Los Ángeles: Belmont Music Publishers 2003.
• 1967. Fundamentals of Musical Composition, editado por Gerald Strang, con una introducción de Leonard Stein. Nueva York: St. Martin's Press. Reimpreso 1985, Londres: Faber y Faber. ISBN   978-0-571-09276-5
• 1978. Theory of Harmony, edición en inglés, traducida por Roy E. Carter, basada en Harmonielehre 1922. Berkeley, Los Ángeles: University of California Press. ISBN   978-0-520-03464-8
• 1979. Die Grundlagen der musikalischen Komposition, traducido al alemán por Rudolf Kolisch; editado por Rudolf Stephan. Viena: Edición Universal (traducción al alemán de Fundamentals of Musical Composition).
• 2003. Ejercicios preliminares de contrapunto, reimpreso, Los Ángeles: Belmont Music Publishers.
• 2010. Teoría de la armonía, edición del 100 aniversario. Berkeley: Prensa de la Universidad de California. 2ª edición. ISBN   978-0-52026-608-7
• 2016. Modelos para principiantes en composición, reimpreso, Londres: Oxford University Press. ISBN   978-0-19538-221-1

Escrituras

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• 1950. Estilo e idea : Escritos seleccionados de Arnold Schoenberg, editados y traducidos por Dika Newlin. Nueva York: Philosophical Library.
• 1958. Ausgewählte Briefe, de B. Schott's Söhne, Mainz.
• 1964. Arnold Schoenberg Letters, seleccionada y editada por Erwin Stein, traducida del alemán original por Eithne Wilkins y Ernst Kaiser. Londres: Faber y Faber Ltd.
• 1965. Arnold Schoenberg Letters, seleccionada y editada por Erwin Stein, traducida del alemán original por Eithne Wilkins y Ernst Kaiser. Nueva York: St. Martin Press.
• 1975. Estilo e idea: Escritos seleccionados de Arnold Schoenberg, editado por Leonard Stein, con traducciones de Leo Black. Nueva York: St. Martins Press; Londres: Faber amp; Faber. ISBN   978-0-520-05294-9 Ampliado de la publicación de 1950 Philosophical Library (Nueva York) editada por Dika Newlin (559 páginas de 231). El volumen lleva la nota "Varios de los ensayos... fueron escritos originalmente en alemán (traducidos por Dika Newlin)" en ambas ediciones.
• 1984. Estilo e idea: Escritos seleccionados, traducidos por Leo Black. Berkeley: Prensa de la Universidad de California.
• 1984. Arnold Schoenberg Wassily Kandinsky : Letters, Pictures and Documents, editado por Jelena Hahl-Koch, traducido por John C. Crawford. Londres: Faber y Faber. ISBN   0-571-13060-7, ISBN   0-571-13194-8
• 1987. Arnold Schoenberg Letters, seleccionada y editada por Erwin Stein, traducida del alemán original por Eithne Wilkins y Ernst Kaiser. Berkeley y Los Ángeles: University of California Press. ISBN   978-0-520-06009-8
• 2006. La idea musical y la lógica, la técnica y el arte de su presentación, nueva edición en rústica en inglés. Bloomington y Londres: Indiana University Press. ISBN   978-0-25321-835-3
• 2010. Estilo e idea: Escritos seleccionados, sexagésimo aniversario (segunda) edición, traducidos por Leonard Stein y Leo Black. Berkeley: Prensa de la Universidad de California. ISBN   978-0-52026-607-0
• 2020. Kathryn Puffet y Barbara Schingnitz: Tres hombres de letras. Arnold Schönberg, Alban Berg y Anton Webern, 1906-1921. Viena: Hollitzer, 2020. ISBN   978-3-99012-776-6

Ver también

• Edición completa de Arnold Schönberg
• Premio Arnold Schönberg

Referencias

Fuentes

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Otras lecturas

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• Luego. 2002. " Arnold Schönberg y su Dios ". Viena: Arnold Schönberg Center (consultado el 1 de diciembre de 2008).
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enlaces externos

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Wikiquote tiene citas relacionadas con: Arnold Schoenberg

Wikisource tiene trabajos originales escritos por o sobre: Arnold Schoenberg

• Partituras gratuitas de Arnold Schoenberg en el Proyecto Biblioteca Internacional de Partituras Musicales (IMSLP)
• "Descubriendo Schoenberg". BBC Radio 3.
• Centro Arnold Schoenberg en Viena
• Extractos de archivos sonoros de las obras de Schoenberg.
• Registros de archivo: colección de Arnold Schoenberg, 1900-1951, Biblioteca del Congreso
• Schönberg. Vinculando dos continentes en sonido. una exposición basada en la web de Arnold Schönberg comisariada por Österreichische Mediathek en cooperación con el Centro Arnold Schönberg
• Grabaciones en Internet Archive